da GRAÇA Aranha*
Discorso di apertura della Settimana d'Arte Moderna del 1922
Per molti di voi la curiosa e suggestiva mostra che oggi abbiamo gloriosamente inaugurato è un agglomerato di “orrori”. Quel Genio torturato, quell'uomo giallo, quel carnevale allucinante, quel paesaggio capovolto, se non sono giochi di fantasia di artisti beffardi, sono sicuramente interpretazioni selvagge della natura e della vita. Il tuo stupore non è finito. Altri "orrori" ti aspettano. Tra poco, unendosi a questa raccolta di sciocchezze, una poesia liberata, una musica stravagante ma trascendente, arriverà a rivoltare coloro che reagiscono mossi dalle forze del passato. Per questi ritardatari, l'arte è ancora Bellezza.
Nessun pregiudizio è più inquietante per la concezione dell'arte di quello della Bellezza. Chi immagina la bellezza astratta è suggerito da convenzioni che forgiano entità e concetti estetici sui quali non può esserci una nozione esatta e definitiva. Ognuno che si interroga e risponde che è bellezza? Dove riposa il criterio infallibile della bellezza? L'arte è indipendente da questo pregiudizio. È un'altra meraviglia che non è bellezza. È la realizzazione della nostra integrazione nel Cosmo attraverso le emozioni derivate dai nostri sensi, sentimenti vaghi e indefinibili che ci vengono dalle forme, dai suoni, dai colori, dai tocchi, dai sapori e ci conducono all'unità suprema con il Tutto Universale.
Attraverso di esso sentiamo l'Universo, che la scienza decompone e ci fa conoscere solo attraverso i suoi fenomeni. Perché una forma, una linea, un suono, un colore ci commuovono, ci esaltano e ci trasportano nell'universale? Questo è il mistero dell'arte, insolubile in ogni tempo, perché l'arte è eterna e l'uomo è l'artista animale per eccellenza. Il sentimento religioso può essere trasmutato, ma il senso estetico rimane inestinguibile, come l'Amore, suo fratello immortale. L'Universo ei suoi frammenti sono sempre designati da metafore e analogie, che creano immagini. Ora, questa funzione intrinseca dello spirito umano mostra come la funzione estetica, che è quella di ideare e immaginare, sia essenziale alla nostra natura.
L'emozione che genera l'arte o che essa ci trasmette è tanto più profonda, universale quanto più l'uomo è artista, suo creatore, suo interprete o spettatore. Ogni arte deve commuoverci attraverso i suoi diretti mezzi espressivi e attraverso di essi trasportarci verso l'Infinito.
La pittura ci esalterà, non per l'aneddoto, che capita di cercare di rappresentare, ma soprattutto per le sensazioni vaghe ed ineffabili che ci vengono dalla forma e dal colore.
Che importa che l'uomo giallo o il paesaggio impazzito o il Genio angosciato non siano ciò che convenzionalmente si dice reale? Quello che ci interessa è l'emozione che scaturisce da quei colori intensi e sorprendenti, quelle forme strane, immagini ispiratrici e che traducono il sentimento patetico o satirico dell'artista. Cosa ci importa che la musica trascendente che stiamo per ascoltare non sia eseguita secondo formule stabilite?
Ciò che ci interessa è la trasfigurazione di noi stessi attraverso la magia del suono, che esprimerà l'arte del divino musicista. È nell'essenza dell'arte che c'è l'arte. È nel vago sentimento dell'Infinito che deriva dal suono, dalla forma e dal colore l'emozione artistica sovrana. Per l'artista la natura è una perenne “fuga” nel Tempo immaginario. Mentre per altri la natura è fissa ed eterna, per lui tutto passa e l'Arte è la rappresentazione di questa incessante trasformazione. Trasmettere attraverso di essa le vaghe emozioni assolute provenienti dai sensi e realizzare in questa emozione estetica l'unità con il Tutto è la gioia suprema dello spirito.
Se l'arte è inscindibile, se ognuno di noi è un artista rudimentale, perché creatore di immagini e forme soggettive, l'Arte nelle sue manifestazioni è influenzata dalla cultura dello spirito umano.
Ogni manifestazione estetica è sempre preceduta da un movimento di idee generali, da uno slancio filosofico, e la Filosofia si fa Arte per farsi Vita. Nell'antichità classica, l'ascesa dell'architettura e della scultura fu dovuta non solo all'ambiente, al tempo e alla razza, ma principalmente alla cultura matematica, che era esclusiva e determinò l'ascesa di queste arti della linea e del volume. La stessa pittura di quei tempi è un forte riflesso della scultura.
Nel Rinascimento, dopo l'indagine analitica dell'animo umano, che fu l'attività predominante del Medioevo, l'umanesimo ispirò la magnifica fioritura della pittura, che nella figura umana cercò di esprimere il mistero delle anime. Fu dopo la filosofia naturale del XVII secolo che il movimento panteistico si diffuse nell'arte e nella letteratura e diede alla natura la personificazione che appare nella poesia e nella pittura di paesaggio. Rodin non sarebbe stato l'innovatore che era nella scultura se la biologia di Lamarck e Darwin non avesse avuto la precedenza. L'uomo di Rodin è l'antropoide perfetto.
E qui viene il grande enigma, che è quello di precisare le origini della sensibilità nell'arte moderna. Questo movimento artistico supremo è caratterizzato dal soggettivismo più libero e fecondo. È un risultato dell'individualismo estremo che è venuto nell'onda del tempo per quasi due secoli fino a diffondersi nel nostro tempo, di cui è una caratteristica travolgente.
A partire da Rousseau, l'individuo è la base della struttura sociale. La società è un atto del libero arbitrio umano. E questo concetto segna l'ascendenza filosofica di Condillac e della sua scuola. L'individualismo trema nella Rivoluzione francese e poi nel Romanticismo e nella rivoluzione sociale del 1848, ma la sua liberazione non è definitiva. Ciò è avvenuto solo quando il darwinismo trionfante ha svincolato lo spirito umano dalle sue presunte origini divine e ha rivelato le profondità della natura e le sue inesorabili trame. Lo spirito dell'uomo si tuffò in questo abisso insondabile e cercò l'essenza delle cose.
Germogliò in tutto il soggettivismo più libero e disincantato. Ogni uomo è un pensatore indipendente, ogni artista esprimerà liberamente, senza compromessi, la sua interpretazione della vita, l'emozione estetica che nasce dal suo contatto con la natura. E tutta la magia interiore dello spirito si traduce in poesia, musica e arti visive. Ciascuno si considera libero di rivelare la natura secondo il proprio sentimento liberato. Ognuno è libero di creare e manifestare il proprio sogno, la propria intima fantasia scatenata da ogni regola, da ogni sanzione. Il canone e la legge sono sostituiti dalla libertà assoluta che li svela, tra mille stravaganze, meraviglie che solo la libertà sa generare. Nessuno può dire con certezza dove stia l'errore o la pazzia nell'arte, che è l'espressione dello strano mondo soggettivo dell'uomo. Il nostro giudizio è subordinato ai nostri mutevoli pregiudizi. Il genio si manifesterà liberamente, e questa indipendenza è una magnifica fatalità e contro di essa non prevarranno le accademie, le scuole, le regole arbitrarie del nefasto buon gusto e dello sterile buon senso. Dobbiamo accettare l'arte liberata come una forza inesorabile. La nostra attività spirituale si limiterà a sentire nell'arte moderna l'essenza dell'arte, quelle vaghe emozioni trasmesse dai sensi e che portano il nostro spirito a fondersi nel Tutto infinito.
Questo soggettivismo è così libero che, per volontà indipendente dell'artista, diventa l'oggettivismo più disinteressato, in cui la determinazione psicologica scompare. Sarebbe la pittura di Cézanne, la musica di Stravinskij che reagisce al lirismo psicologico di Debussy cercando, come già notato, di manifestare la vita stessa dell'oggetto nel più ricco dinamismo che ha luogo nelle cose e nell'emozione dell'artista.
Questa è forse l'accentuazione della moda, perché in quest'arte moderna c'è anche l'ondata della moda, che in una certa misura è una privazione della libertà. La tirannia della moda dichiara vecchio Debussy e sorride del suo trascendente soggettivismo, la tirannia della moda rivendica la sensazione forte e violenta dell'interpretazione costruttiva della natura, ponendosi in stretta correlazione con la vita moderna nella sua espressione più reale e schietta. L'intellettualismo è sostituito dall'oggettivismo diretto, che, portato all'eccesso, traboccherà dal cubismo al dadaismo.
C'è una sorta di gioco dell'arte divertente e pericoloso, e quindi seducente, che si prende gioco dell'arte stessa. La musica moderna è impregnata di questa presa in giro, che in Francia si manifesta nel sarcasmo di Eric Satie e che il gruppo dei "sei" organizza in atteggiamento. La formazione di questo gruppo non è sempre omogenea, perché ogni artista obbedisce fatalmente alle pulsioni misteriose del proprio temperamento, confermando così ancora una volta la caratteristica dell'arte moderna, che è il soggettivismo più libero.
È prodigioso come nei poeti e negli altri artisti persistano qualità fondamentali della razza. In Brasile, in fondo a tutta la poesia, anche quella libera, sta quella parte di tristezza, quella nostalgia irrimediabile, che è il sostrato del nostro lirismo. È vero che c'è uno sforzo per liberare questa malinconia razziale, e la poesia si vendica nell'amarezza dell'umorismo, che è espressione di disincanto, sarcasmo permanente contro ciò che è e non dovrebbe essere, quasi un'arte da perdenti. Lamentiamoci di quest'arte imitativa e volontaria che dà al nostro “modernismo” un'apparenza artificiale. Lodiamo quei poeti che si liberano con i propri mezzi e la cui forza di ascensione è loro intrinseca. Molti di loro si sono lasciati sopraffare dalla morbosità nostalgica o dall'amarezza della farsa, ma a un certo momento li ha raggiunti il tocco della rivelazione ed eccoli lì, liberi, felici, signori della materia universale che hanno trasformato in materia poetica.
Di questi, liberati dalla tristezza, dal lirismo e dal formalismo, ne abbiamo qui una moltitudine. Basta che uno di loro canti, sarà una poesia strana, nuova, alata, che fa sì che la musica sia più poesia. Da due di loro, in questa notte promettente, sentirete le ultime “immaginazioni”. Uno è Guilherme de Almeida, il poeta di Messidor, il cui lirismo è sottilmente e fresco distillato da una lontana e vaga nostalgia d'amore, di sogno e di speranza, e che, sorridendo, emerge dalla lunga e dolce tristezza per donarci canzoni greche la magia di una poesia più libera dell'Arte.
L'altro è il mio Ronald de Carvalho, il poeta dell'epopea di luce gloriosa in cui tutto il dinamismo brasiliano si manifesta in una fantasia di colori, suoni e forme vivaci e ardenti, un meraviglioso gioco di sole che diventa poesia! La sua arte più aerea ora, nei nuovi epigrammi, non languisce nel frivolo virtuosismo che è l'allegria dell'artista. Viene dalla nostra anima, persa nello stupore del mondo, ed è la vittoria della cultura sul terrore, e ci porta attraverso l'emozione di un verso, un'immagine, una parola, un suono alla fusione del nostro essere in l'infinito Tutto...
Il rimodellamento estetico del Brasile iniziato nella musica di Villa-Lobos, nella scultura di Brecheret, nella pittura di Di Cavalcanti, Anita Malfatti, Vicente do Rego Monteiro, Zina Aita, e nella poesia giovane e audace, sarà la liberazione di l'arte dai pericoli che la minacciano inopportuni arcadianismi, accademie e provincialismi.
Il regionalismo può essere un materiale letterario, ma non è la fine di una letteratura nazionale che aspira all'universale. Lo stile classico obbedisce a una disciplina che aleggia sulle cose e non le possiede.
Ora, tutto ciò in cui è frammentato l'Universo è nostro, sono i mille aspetti del Tutto, che l'arte deve ricomporre per dar loro l'unità assoluta. Una vibrazione intima e intensa anima l'artista in questo mondo paradossale che è l'Universo Brasiliano, e non può svilupparsi nelle rigide forme dell'Arcadianesimo, che è il sarcofago del passato. Anche l'accademismo è la morte per il freddo dell'arte e della letteratura.
Non so come giustificare la funzione sociale dell'Accademia. Ciò che si può dire per condannarlo è che incoraggia lo stile accademico, costringe la libera ispirazione, frena il talento giovane e ardente che cessa di essere indipendente per riversarsi nel modello dell'Accademia. È un grande male nel rinnovamento estetico del Brasile e nessun beneficio porterà alla lingua questo spirito accademico, che uccide alla nascita l'originalità profonda e tumultuosa della nostra foresta di parole, frasi e idee. Ah, se i nuovi scrittori non pensassero all'Accademia, se a loro volta la uccidessero nell'anima, quale immensa apertura per il magnifico sfogo del genio, finalmente liberato da questo terrore. Questo “accademismo” non è dominante solo in letteratura. Si estende anche alle arti visive e alla musica. Per lui, tutto ciò che la nostra vita offre di enorme, splendido, immortale, diventa mediocre e triste.
Dov'è la nostra grande pittura, la nostra scultura e la nostra musica, che non dovrebbero aspettare che la magia dell'arte di Villa-Lobos sia l'espressione più sincera del nostro spirito vagabondo nel nostro favoloso mondo tropicale? Eppure, ecco il paesaggio brasiliano. È costruito come un'architettura, ci sono piani, volumi, masse. Il colore stesso della terra è una profondità, i vasti orizzonti assorbono il cielo e danno la prospettiva dell'infinito. Come provoca la trasposizione dell'arte, che gli conferisce il più alto realismo e la più alta idealità! Ecco la nostra gente. Escono dalle foreste o dal mare... Sono i figli della terra, mobili, agili come animali pieni di paura, sempre a sfidare il pericolo, e, spinti dai sogni, allucinati dall'immaginazione, camminano sulla terra nel desiderio di conoscere e possedere. Dov'è l'arte che ha brillantemente trasfigurato questa mobilità perpetua, questa progressione infinita dell'anima brasiliana?
Dalla liberazione del nostro spirito emergerà l'arte vittoriosa. E i primi annunci della nostra speranza sono quelli che offriamo qui per la vostra curiosità. Sono questi dipinti stravaganti, queste sculture assurde, questa musica allucinatoria, questa poesia ariosa e sconnessa. Alba meravigliosa! Va sottolineato che, tranne che nella poesia, ciò che è stato fatto prima nella pittura e nella musica è inesistente. Sono piccole e timide manifestazioni di un temperamento artistico terrorizzato dal dominio della natura, oppure sono trapianti nel nostro mondo dinamico di melodie cupe e languide, scandite dal metro accademico di altre persone.
Quello che vediamo oggi non è la rinascita di un'arte che non esiste. È la commovente nascita dell'arte in Brasile, e, non avendo fortunatamente l'ombra perfida del passato a uccidere la germinazione, tutto promette un mirabile “sbocciare” artistico. E, liberati da ogni restrizione, realizzeremo l'Universo nell'arte. La vita sarà finalmente vissuta nella sua profonda realtà estetica. L'amore stesso è una funzione dell'arte, perché realizza l'unità integrale del Tutto infinito attraverso la magia delle forme dell'amato.
Nell'universalismo dell'arte risiede la sua forza e la sua eternità. Per essere universali, facciamo di tutte le nostre sensazioni espressioni estetiche, che ci conducano alla tanto agognata unità cosmica. Possa l'arte essere fedele a se stessa, rinunciare al particolare e far cessare per un momento la dolorosa tragedia dello spirito umano, perso nel grande esilio della separazione dal Tutto, e trasportarci attraverso le vaghe sensazioni di forme, colori, suoni, tocchi e di sapori alla nostra gloriosa fusione nell'Universo.
*Ragno Grazia (1868-1931) fu scrittore e diplomatico. Autore, tra gli altri libri, di Spirito moderno (Casa editrice nazionale).
Ripubblicato nel libro Mário de Andrade e la Settimana dell'Arte Moderna (Faro editoriale).
