da RUBENS RUSSOMANNO RICCIARDI*
Dobbiamo valorizzare gli enti pubblici stabili come quello del Theatro Municipal de São Paulo, affinché ce ne siano tanti come questo in tutto il Paese
Ho un rapporto affettivo con il Theatro Municipal de São Paulo. Era lì, toccava il Polacco militare di Fryderyk Chopin, all'età di 13 anni, nel 1977, che ho eseguito per la prima volta in pubblico – in un concerto sotto la direzione artistica del maestro Rubens Leonelli. Dal 1979 in poi sono diventato allievo del direttore d'orchestra Olivier Toni, ex fagottista della stessa Orquestra do Theatro, che mi ha raccontato storie insolite su quell'istituzione, compresi gli indimenticabili concerti diretti da Heitor Villa-Lobos.
Ho iniziato a frequentare concerti e spettacoli d'opera al Teatro Municipale a partire dagli ultimi anni di esibizione del maestro Roberto Schnorrenberg. È stato anche lì che ho cominciato a comprendere la musica in un intrigante contrappunto tra vecchio e nuovo, tra regionale e cosmopolita, tra classico e sperimentale. Anche quando vivevo all'estero, ho sempre cercato di informarmi sui suoi orari.
In ogni caso, la buona notizia, che mi spinge a scrivere questo articolo, è che il Theatro Municipal de São Paulo sta vivendo la sua fase migliore, raggiungendo uno straordinario livello tecnico-artistico. È importante, in un Paese dal complesso bastardo come il Brasile, che ci sia spazio non solo per le critiche, pur essenziali, ma anche per gli elogi per imprese e conquiste di importanza storica.
Dobbiamo imparare a valorizzare non solo i nostri talenti, ma anche il nostro potenziale nelle grandi arti – quelle solennemente ignorate dalla stampa più rispettabile, poiché dedica la sua idolatria pseudo-intellettuale esclusivamente all’industria culturale. Nel nostro Paese, insomma, i palcoscenici d'opera – la cui natura artistica è estrinseca all'industria culturale – vengono raramente presi in considerazione. Tuttavia, i rari commenti tendono a critiche ingiuste o semplicemente distruttive. Dobbiamo rivedere questa situazione controproducente.
La storia dell'opera a San Paolo risale al XVIII secolo, almeno ai tempi di Morgado de Mateus, governatore e mecenate illuminista. Il più antico maestro di cappella “operaio” (si diceva, nel periodo coloniale, il musicista che lavorava nell'opera) che conosciamo, Antônio Manso, lavorò al Sé e all'Opera di San Paolo negli anni '70 del XVIII secolo. secolo . Nato a Sabará e avendo precedentemente lavorato a Bahia, Antônio Manso fu elogiato dall'allora governatore Morgado de Mateus per la qualità artistica e la modernità del suo repertorio: “dotato delle migliori solfe di buon gusto del presente” – ricordando che solfati Sono carte con notazione musicale. L'antico Teatro dell'Opera di San Paolo si trovava accanto alla chiesa dei Gesuiti nel Pátio do Colégio. Fu demolito nel 1870 – esisteva da circa un secolo.
Tra gli antichi teatri di San Paolo, già dimenticati, lo stesso tragico destino toccò anche altri due teatri d’opera prima del Theatro Municipal: il primo Theatro São José – nell’attuale Praça João Mendes, operò dal 1864 al 1898 e fu distrutto da un incendio – un notevole palco degli abolizionisti, dove sono stati recitati i versi di Castro Alves e dove è stato onorato Luiz Gama Post mortem; e il secondo Teatro São José – in funzione solo 10 anni, tra il 1909 e il 1919, essendo stato demolito dalla Cia Light nel 1924 e al suo posto oggi si trova il Shopping leggero.
Inaugurato nel 1911, grazie alla sua architettura monumentale, il Theatro Municipal divenne ed è tuttora il miglior spazio operistico fisico della città di San Paolo. Le sue eccellenti strutture si trovano oggi in perfetto stato di conservazione e fruizione.
Ciò che qui più ci interessa, però, è che alle virtù strutturali si accompagna anche una direzione artistica mai sperimentata prima a San Paolo. Da quando ha assunto la direzione musicale del Theatro Municipal, nel 2017, il maestro Roberto Minczuk ha facilitato alcuni dei progetti operistici di maggior successo in Brasile: Il Rosenkavalier di Richard Strauss, L'amore delle tre arance di Sergej Prokofiev, La nave fantasma di Richard Wagner, La Fanciulla del West di Giacomo Puccini, La Traviata e Rigoletto di Giuseppe Verdi (con la brillante regia di Jorge Takla) sono tra le produzioni più notevoli.
Ci furono anche nuove commissioni per nuove opere: Rasoio nella carne di Leonardo Martinelli e Uomini di carta di Elodie Bouny – entrambe composizioni con libretti ispirati ai drammi di Plínio Marcos.
Forse la migliore messa in scena di Il Guaranì di Antônio Carlos Gomes in ogni momento – non solo per l'altissima performance tecnico-artistica che ha coinvolto cantanti e orchestra nell'interpretazione/esecuzione musicale, ma anche per l'inserimento dell'iconografia artistica e del pensiero critico di Ailton Krenak, contestualizzando l'opera di José libretto de Alencar nel mondo indigeno – cioè al quale appartiene la storia di fatto e di diritto.
Recentemente, il maestro Roberto Minczuk è stato in prima linea in un altro sballo performance artistico con Madama Butterfly di Giacomo Puccini. Naturalmente il luogo della parola dell'artista è l'intero universo, così come la storia delle arti è la storia delle appropriazioni culturali. Così come non esiste linguaggio puro, poiché ogni linguaggio è metaforico, non esiste nemmeno grande arte senza sapore di linguaggio come risultato di una distanza critico-inventiva rispetto alla cultura d'origine. Non sorprende quindi che Puccini, compositore toscano, nella sua trascendenza inventiva, narri una tragedia giapponese che coinvolge i personaggi Pinkerton e Cio-Cio-San (Madame Butterfly) – lui, un tenente yankee-americano della Marina americana; lei, una geisha giapponese.
Non solo per l'agglomerato di suoni appropriati e rivisitati, come il Inno americano o la tradizionale canzone popolare giapponese sakura sakura, ma soprattutto attraverso l'innovazione nel campo armonico (superando la funzionalità tonale), melodico (portando alle sue dimensioni ultime l'emancipazione della melodia romantica) e orchestrale (sperimentando nuovi timbri e combinazioni), Puccini espone un mondo musicale sempre ancora attuale noi, ci contagia e ci commuove.
Sebbene il dramma sia ambientato a Nagasaki, all'inizio del XX secolo, in nessun modo Madama Butterfly può essere considerata un'opera datata, tanto meno condannata all'obsolescenza: grazie a questa mirabile interpretazione/esecuzione al Theatro Municipal de São Paulo, che coinvolge sia la scena che la musica ed evidenzia il dinamismo del suo linguaggio, l'opera rimane stimolante, sorprendente e nuovo.
Merita un plauso la direzione scenica di Livia Sabag. Ho assistito a una serie di produzioni, non solo in Brasile, ma anche in altri paesi, in cui i registi sembrano confondere, nel mondo dell'opera, il poiesis (il processo inventivo di creazione di un'opera linguistica: mestiere del compositore, del librettista o autore teatrale, del coreografo, ecc.) con il prassi (l'interpretazione-esecuzione dell'opera: compiti del direttore d'orchestra, del cantante, dello strumentista, del ballerino, dell'attore, del regista, ecc.).
Naturalmente il prassi nella messa in scena, non avendo solfa, è necessariamente più inventiva che nella musica. Ma ci sono ancora limiti all’interpretazione. Chi inventa il linguaggio dell’opera è il compositore e il librettista, non il regista. Poiché non esistono due allestimenti identici della stessa opera, la libertà e anche l’innovazione sperimentale, a causa dell’inevitabile idiosincrasia di ciascun regista, non possono essere confuse con un tutti contro tutti – come se da uno di essi emergesse un’altra opera diversa. prassi frivolo. UN prassi l’arte, al contrario, è un esercizio ermeneutico che mira a comprendere e dare priorità al poiesis. Pertanto, il prassi Non può e non deve distorcere, e ancor meno annientare, il linguaggio dell’opera.
In caso di trasloco Madama Butterfly di Livia Sabag, abbiamo una produzione che valorizza il poiesis di Puccini e dei suoi librettisti: intese il mondo dell'opera come interazione storico-ontologica e ne estrasse i movimenti corporei ed esistenziali più espressivi. Puccini era ancora più Puccini con la sua messa in scena.
L'intero team ha agito perfettamente integrato, consentendo una bellissima unità visiva ed espressiva nella messa in scena – una partnership di grande successo con il Teatro Colón di Buenos Aires: Nicolàs Boni (scenografia), Caetano Vilela (luci), Sofia Di Nunzio (costumi), Matías Otálora (video) e Tiça Camargo (visagismo).
Si distingue anche Maira Ferreira, il conduttore del Coral Paulistano, anch'egli nella sua fase migliore. Splendidi anche i cantanti principali, con enfasi su Carmen Giannattasio (Cio-Cio-San / Madama Butterfly) – una delle voci più belle ed espressive che abbiamo mai sentito qui in Brasile – e Celso Albelo (Pinkerton), perfetti sia vocalmente che in termini di dramma, scena. Impeccabili anche i comprimari Ana Lucia Benedetti (Suzuki) e Douglas Hahn (Sharpless).
Altra bella notizia è stata la memorabile prestazione di Jean William (Goro). Recentemente, il rettore dell’Università di San Paolo, Carlos Gilberto Carlotti Júnior, ha affermato che uno degli orgoglio della nostra università, negli ultimi anni, è stato il suo potenziale nel fornire ampio accesso all’insegnamento e alla ricerca di qualità. Così, in molte famiglie meno favorite, per la prima volta uno dei loro figli è riuscito a studiare all’USP – in un processo con un forte potenziale di trasformare non solo la vita dell’USPian, ma anche quella della sua famiglia e persino di un’intera comunità. .
Jean William, nato a Barrinha e nipote di Joaquim Apolinário, cowboy delle piantagioni di canna da zucchero qui in Alta Mogiana, è stato il primo della sua famiglia a diplomarsi all'USP. È stato nostro allievo del corso di musica presso l'USP di Ribeirão Preto – si è diplomato nella classe della professoressa Yuka de Almeida Prado. Non c'è niente di più gratificante per un insegnante quando il suo lavoro rende possibile una carriera di così grande successo. Il successo di Jean Willliam è il successo dell'istruzione pubblica gratuita!
Infine, la direzione musicale di Roberto Minczuk, alla guida dell'Orchestra Sinfonica Municipale nelle esecuzioni di Madama Butterfly, ci è sembrato preciso nei movimenti, estremamente attento in ogni dettaglio, ottenendo un perfetto equilibrio tra orchestra, coro e solisti – sia nelle intensità più forti che più morbide – sempre attento alle sottigliezze della scrittura musicale di Puccini e alle alternanze nell'atmosfera scenica . Roberto Minczuk è un altro eccellente esempio di artista prassi (direttore d'orchestra) che non solo comprende il linguaggio dell'artista poiesis (compositore) nelle sue problematiche tecnico-stilistiche, come sa condurre, con l'espressione più brillante e virtuosa, l'esecuzione dei suoi suoni.
Considerato l'attuale livello artistico del Theatro Municipal, non bisogna congratularsi solo con San Paolo, ma con tutto il Brasile. Dobbiamo valorizzare gli enti pubblici stabili come quello del Theatro Municipal de São Paulo, proprio perché ce ne sono tanti come questo in tutto il Paese.
*Rubens Russomanno Ricciardi È professore presso il Dipartimento di Musica della Facoltà di Filosofia, Scienze e Lettere di Ribeirão Preto-USP e direttore d'orchestra presso la Filarmonica dell'USP.
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