Saggi e conferenze di Gerd Bornheim

17/12/2022

Arti plastiche · XNUMX€ Cultura · XNUMX€ Filosofia · XNUMX€ Teatro

da PACE GASPARE, THYS ALVES COSTA & ERIKA MARIANO*

Presentazione a cura degli organizzatori del libro postumo del filosofo e critico d'arte

Questo libro è una raccolta di saggi e conferenze che comprende l'ultima fase della produzione di Gerd Bornheim. Si tratta di una significativa campionatura di testi, per lo più degli anni dal 1998 al 2002, che intrecciano questioni fondamentali di filosofia dell'arte, estetica e ambiti affini. Tali testi sono stati organizzati e assemblati dai membri del gruppo di ricerca Crítica e Experiência Estética, che lavora presso il Centro per le Arti dell'Università Federale dell'Espírito Santo (UFES) dal 2015 e svolge un lavoro di organizzazione documentale sulla vita e sul lavoro di Gerd Bornheim.

L'idea motivante del libro è stata quella di ampliare i dibattiti sulla reinterpretazione dei nostri patrimoni culturali, filosofici e artistici, riunendo testi per lo studio delle nozioni di “critica” ed “esperienza estetica”, che nell'opera di Bornheim sono riprese in una prospettiva dialettica. Questo aspetto è delineato nei suoi saggi e nelle sue posizioni sin dal libro Teoria e prassi della dialettica (1983a [1977]) e le sue premurose incursioni nelle opere di Hegel e Marx. Il percorso assume un risalto del tutto particolare con l'ingresso dell'autore nelle interpretazioni della scena teatrale, che fu per lui uno degli spazi più fertili di riflessioni e azioni sociopolitiche. Vale la pena notare che è stato più di quattro decenni in dialogo con le attuali pratiche culturali e teatrali (intese qui in un senso ampio di connessione tra espressioni e pratiche artistico-culturali).

Gerd Alberto Bornheim è nato a Serra Gaúcha, nella città di Caxias do Sul, il 19 novembre 1929. Questo esponente pensatore brasiliano si è distinto per i suoi studi sulla filosofia moderna e contemporanea e per la densità e chiarezza della sua analisi critica, espressa in saggi, corsi, interviste e conferenze. Notevole per i suoi interrogativi culturali sulla realtà brasiliana, si è immerso nella pluralità dei temi affrontati. Ancora giovane, studiò in Europa, che fu uno dei fattori determinanti per le sue elaborazioni intellettuali.

Seguì con interesse tutte le novità che si affacciavano sulla scena artistica e culturale e fu così che iniziò a sviluppare il proprio spirito critico, attraverso un'analisi approfondita di tesi e concezioni filosofiche che ammirava e analizzava fino allo sfinimento nelle sue molteplici concezioni e punti di vista. Da allora è diventato un viaggiatore interessato a tutte le complessità delle sfere culturali. Ha viaggiato attraverso città brasiliane e straniere (come Porto Alegre, Rio de Janeiro, San Paolo, Londra, Francoforte e Parigi). A Parigi frequenta, tra gli altri, corsi tenuti da Gaston Bachelard, Jean Hyppolite, Jean Wahl e Merleau-Ponty. E in questo viaggio di viaggio si scopre scrittore.

In Brasile, nel 1969, con l'intensificarsi della sua attività di insegnamento e di formazione dell'opinione pubblica, fu messo sotto accusa dalla dittatura civile-militare. A quel tempo, era professore di filosofia presso l'Università Federale del Rio Grande do Sul (UFRGS). Accusato di essere sovversivo per aver espresso le sue posizioni critiche nei confronti del governo, gli è stato impedito di insegnare nelle università. Contemporaneamente pubblica il risultato della sua tesi sulla libera didattica, Introduzione al filosofare: il pensiero filosofico nelle basi esistenziali (1969). Nell'immersione di questo percorso flâneur, Gerd Bornheim viaggia alla scoperta della propria personalità.

E descrivendo le vicissitudini che lo hanno afflitto all'università, riflette: “La cosa peggiore è purgarsi, o essere costretti a farlo, dalla vita intellettuale. Finora non sono stato spinto a un tale estremo, poiché continuo a lavorare molto, a casa. Tuttavia, la mia situazione è tale che difficilmente riesco a stare al passo in questo modo per più di un mese. Spero che entro marzo emerga qualcosa di positivo, che non mi costringa ad abbandonare il mio lavoro” (BORNHEIM, 1970).

Gli anni dell'esilio in Europa segnano l'emergere della sua produzione bibliografica, non solo basata su temi filosofici, ma anche con un'attenzione alla letteratura, ai linguaggi artistici, e in modo singolare a Brecht e al teatro. In questo senso, ha dedicato la sua vita all'insegnamento e alla produzione di opere che permeano la filosofia, le arti e la politica. Morì il 5 settembre 2002 a Rio de Janeiro, luogo che scelse – con un sentimento emergente – come dimora per gli ultimi decenni della sua vita.

Lì scrisse numerosi saggi, fu professore universitario inizialmente presso l'Università Federale di Rio de Janeiro (UFRJ) e successivamente presso l'Università Statale di Rio de Janeiro (Uerj) fino alla fine della sua carriera. La città di Rio de Janeiro è stata anche un luogo di riposo dalle sue attività accademiche e dai numerosi viaggi che ha fatto per conferenze e lezioni in Brasile e all'estero. In queste lezioni, che ha tenuto con un'oratoria impeccabile e seducente, la sua voce profonda, melodiosa e coerente ha dimostrato il piacere e il desiderio di dialogare con un vasto pubblico. Ci ha lasciato un'eredità di proposte di pensiero, che contribuiscono a una migliore comprensione dei temi estetico-politico-culturali. Alcune di queste preziose incursioni sono accessibili in questa edizione.

Qualche parola in più sulla selezione dei testi in questa raccolta. Abbiamo optato per un layout che rivelasse la sovrapposizione di ciascuno di questi scritti, senza indicare esplicitamente le suddivisioni dei capitoli per temi specifici. Tuttavia, il lettore percepirà almeno sei prospettive delle interpretazioni dell'autore: (1) la problematizzazione della critica artistica; (2) l'estetica teatrale tra scena e testo; (3) istanze letterarie che scaturiscono da preoccupazioni politiche per il progresso della democrazia e della cultura; (4) l'esperienza estetica e l'apprendimento dello sguardo negli scritti sulle arti plastiche; (5) la musica come paradigma estetico; 6) il problema della comunicazione ei nuovi paesaggi delle arti contemporanee.

La critica artistica e l'esperienza estetica tra la scena e il testo

I primi due testi, “Le dimensioni della critica” (saggio sulla critica pubblicato nel 2000) e “La questione della critica” (trascrizione di un convegno del 2001, pubblicata nel 2002) sono esempi di una comprensione dialettica delle questioni nella filosofia dell'arte . Sia i saggi che l'oralità che segnano questi due capitoli rivelano una percezione estetica che si diffonde attraverso i capitoli successivi. Gerd Bornheim, in una vivace ripresa di Brecht e Marx, dialoga con l'amico Ruggero Jacobbi per riflettere sull'esercizio della critica. Considera importante il lato saggistico dell'interpretazione del (con)testo o della produzione dell'opera (lo spettacolo, il dipinto, il film) e la conseguente preoccupazione per lo svolgersi di eventi, spettacoli o eventi artistici in genere. L'esigenza è seguire l'avanzamento dei lavori attraverso un dialogo stimolante. Questo esercizio di riflessione sulla critica si ritrova anche in altre pubblicazioni dell'autore, come “Genesi e metamorfosi della critica” e “Dacritica”, in Pagine di filosofia dell'arte (1998), e “La critica necessaria”, in argomenti di filosofia (2015).

Secondo lui, nel saggio che apre questo volume: “Il presupposto fondamentale della critica sta in certo modo nel cuore stesso della cultura occidentale: essa è nientemeno che l'invenzione dello spirito critico insito nel nostro mondo, come conseguenza dell'emergere della filosofia e dello spirito scientifico in generale – quello di scrutare razionalmente i processi reali e gli impegni umani. Nel caso particolare che ci occuperà, vogliamo sapere che tipo di esigenza ha presieduto all'ondata stessa della critica d'arte: da dove è venuta, da cosa è venuta – e quella fino ad affermarsi come una sorta di genere letterario per postulare le esigenze di un intero dipartimento delle nostre biblioteche” (BORNHEIM, 2000b, p. 34).

Si percepisce allora il gesto performativo che rivela allo stesso tempo il teatrale e il letterario, entrambi elementi costitutivi del piano della sua scrittura. Osiamo vedere in questi testi l'intreccio di un gioco simile al lavoro preparatorio che passa attraverso la messa in scena di spettacoli teatrali e che, per natura stessa di sintesi di pratiche artistiche, porta esempi dalle arti plastiche, dalla musica, dalla letteratura, dal cinema , eccetera. È attraverso il suo modo naturale di filosofare che ci invita, in questo spazio di espressione, a sperimentare l'importanza del linguaggio nel corso dei cambiamenti che si verificano nel campo delle arti, così come le crisi esistenti nel contesto della riflessione estetica in il mondo contemporaneo.

Se nei primi due capitoli l'autore comincia a pensare alla critica, nei due capitoli che seguono, “L'estetica brechtiana tra la scena e il testo” e “Brecht e le quattro estetiche”, ciò che è presente è tutta un'applicazione dialettica di questa modalità di interpretazione. Brecht, lavorando sulla soglia tra testo e scena, tra teoria e pratica, sperimenta e problematizza nel suo lavoro e nelle sue discussioni con gruppi di lavoro, almeno quattro tendenze estetiche: imitazione, soggetto, oggetto e linguaggio. Per Gerd Bornheim (2007, p. 59), Brecht era “un problematizzante teatrale, non un teorico – Brecht non era un teorico. Sul piano essenzialmente pratico, problematizzava”. Così, una delle problematizzazioni brechtiane si basa sulla separazione e sulla presa di distanza, segni della sua vigorosa performance nel teatro, nella poesia e nelle arti in generale.

Per Bornheim (2001b, p. 30), la separazione di Brecht è un'azione “fondamentale per reinstallare l'uomo nella realtà, alienato com'era dal palcoscenico italiano, passivo, seduto al buio, disconnesso dal mondo”. Esemplifica il fatto dicendo: “Vado in un cinema e vedo un dramma o una commedia, il film finisce, rido molto, piango molto, esco dal cinema e dico: “Allora, domani devo lavorare ”. Voglio dire, sono tornato alla realtà. L'arte è servita ad allontanarmi dalla realtà. Brecht vuole una sorta di arte piacevole, elegante, quasi liturgica che immerga l'uomo, restituisca l'uomo a una realtà che dimentica non solo quando è al cinema, ma quando lavora, quando cammina per strada. Questo è tutto” (BORNHEIM, 2001b, p. 30).

Sulla scia di questo “camminare con l'opera d'arte commentata”, tipico delle interpretazioni di Gerd Bornheim, il lettore troverà, in questa edizione, due testi che si dipanano in dialogo con i capitoli precedenti: “La concezione del tempo – le prefigurazioni ” e “ Beckett ei significati del gerundio”, entrambi trascritti dai dattiloscritti originali dell'autore. Appaiono sulla scena diverse concezioni delle intuizioni del tempo e dello spazio.

Nel primo testo, ad esempio, l'autore ricorda Mircea Eliade, che percepisce queste nozioni dal profano e dal sacro: “Ci sarebbe il livello di un tempo e di uno spazio profano, in cui la vita abituale degli individui in una data società svilupparsi., e a questo livello si contrapporrebbe un'altra dimensione di spazio e di tempo, ormai legata a tutte le cose che codificano il mondo sacro [...]”.

È così che l'autore dipinge un'intera storia che risale agli antichi greci e interpreta l'impatto di questi risultati sull'attualità. D'altra parte in “Beckett ei significati del gerundio” e anche in “Il senso della tragedia” ha in mente una realtà contrastata da queste intuizioni. Per lui, secondo il primo testo, “tempo e spazio sono nozioni che si muovono nel corso della drammaturgia beckettiana in modo particolarmente incisivo. In Aspettando Godot, il pezzo inaugurale, c'è un momento particolarmente privilegiato in cui vedi i due pagliacci mendicanti installati su un marciapiede. Uno di loro si toglie la scarpa vecchia e bucata e comincia a scuoterla, come se ci fosse qualcosa che impedisca, forse, future passeggiate. Il tuo partner osserva questo strano trambusto e chiede perplesso: "pensi che abbiamo un significato?" Il calzolaio si ferma, risponde allo sguardo, fa una breve pausa e fa una sonora risata. È anche curioso che la stessa domanda appaia in un'altra opera dell'autore. E la situazione, va notato, ha tutto a che fare con quelle nozioni di tempo e spazio”.

Secondo lui, Beckett ci lancia in un'altra percezione delle cose: “il grande problema è proprio lì: lo spazio e il tempo perdono di significato o si frammentano o diventano una realtà altamente problematica” (BORNHEIM, 2002c, p. 28). O corpo beckettiano è, quindi, un'esperienza dirompente e radicale con il linguaggio, che per Bornheim è un campo aperto di sperimentazione. La cosa interessante è che i testi presenti in questo volume sono collegati.

In “Il senso della tragedia”, Bornheim parla di un possibile dialogo teatrale che poteva esistere tra Brecht e Beckett, due esperienze che hanno cambiato il modo di guardare al teatro contemporaneo. Nello stesso testo sono presenti commenti sui tempi dell'epopea omerica e sulle interazioni della tragedia greca che sono direttamente collegati al saggio “La concezione del tempo – le prefigurazioni”, ma anche all'esperienza della scrittura e alla scena che è configurato nella drammaturgia brasiliana Nelson Rodriguez. Il profano e il sacro, la colpa, il peccato e l'utopia sono associati dal filosofo al gioco linguistico di Nelson nella prefazione al libro La bugia, organizzato da Caco Coelho (risultato della ricerca Il petto di Nelson Rodrigues).

Il saggio su Nelson Rodrigues, che mostra le sfumature di una tragedia brasiliana contemporanea,^[I] è stato l'ultimo testo scritto da Gerd Bornheim prima della sua morte nel 2002. In questa edizione, il saggio raggruppa, insieme a "Sulla storia di una vita: il libro" e "Democrazia e cultura", le preoccupazioni di Bornheim per la realtà sociale e politica attuale volte. Queste dimensioni sono unite da una percezione letteraria che le rende resistenti: “i discendenti di Machado de Assis”, come diceva Bornheim (2000a, p. 44) a proposito del libro.

Istanze letterarie e preoccupazioni politiche e culturali

Il saggio “Democrazia e cultura” è una pietra miliare di questa raccolta, in quanto dimostra che i legami tra critica, esperienze estetiche e interpretazioni della filosofia dell'arte si basano su una verve politica fondamentale. E non è un caso che sia collocato qui, perché, come diceva Guimarães Rosa, il reale appare nel mezzo del viaggio. Con le idee di democrazia, cultura e cittadinanza, alle quali i saggi precedenti sono direttamente collegati, comincia a collocarsi tutta l'attualità della scena.

Secondo Gerd Bornheim (2001d, p. 24): “Ci sono due, ripeto, i nuovi personaggi che reinventano tutto: l'elemento individuale e quello collettivo”. E, per fare un esempio di ciò, parla delle avventure della drammaturgia di Schiller: “In una prima commedia, I cattivi, il poeta presenta un gruppo di giovani, eredi di Rousseau, che si ribellano all'ordine della città costituita, e cercano di organizzarsi, invano, al di fuori di essa – il fallimento della compagnia non ha importanza: si tratta della invenzione di una nuova razza che ancora oggi popola le nostre strade, la hippies di tutte le specie. In un altro testo dello stesso poeta, Fiesko, assistiamo alla lotta di autosterminio della tradizione: ci sono due duchi che si annientano a vicenda nella ricerca del potere; in mezzo, il pubblico riesce a sentire le grida rabbiose di protesta della gente, ma senza vederle: è solo che la gente sta appena cominciando a nascere, situata immobile dietro le quinte della scena. Schiller era persino imbarazzato dalla violenza che lui stesso aveva predetto; pochi mesi dopo la messa in scena di I cattivi, il drammaturgo scrive una prefazione al testo per contraddirsi, condanna la rabbia dei giovani e li dichiara pericolosi per l'ordine imperante. Troppo tardi: i giovani si erano già installati nella scena vivente, e si erano coinvolti nelle avventure di una politica completamente nuova, a cominciare dai precursori della Rivoluzione francese” (BORNHEIM, 2001d, p. 24).

Non potevamo non menzionare qui questo passaggio, perché, oltre alla sua rilevanza visibile, collega le esperienze estetiche e l'esercizio dello sguardo proposto da Gerd Bornheim nei cinque testi che seguono, il cui tema ruota intorno alle arti visive: “Bez Batti”, “Vasco Prado”, “La pittura che è pittura”, “Verde che ti voglio verde”, “La coerenza di un itinerario”. Va notato che questi scritti sono arricchiti dall'interesse dell'autore per la comprensione del significato delle immagini, dell'immaginario e della realtà delle cose. Questo esercizio di vedere la realtà attraverso le immagini ei dipinti di pittori come Cézanne e Van Gogh, proposto da Rodin al giovane Rilke, è anche uno degli attacchi poetici di Bornheim. Seguendo il lavoro rilkiano, combina esperienza e percezione artistica per accedere alla realtà. Questa connessione sarà vitale per la tua esperienza con la lingua e per la tua consapevolezza del tuo tempo.

Arti visive e imparare a guardare

Gerd Bornheim era un ammiratore delle arti nella loro interezza e si dedicò allo studio e alla scrittura dei vari linguaggi artistici, di cui cercava di comprendere il funzionamento. Ha così prodotto importanti interrogativi sulle opere di artisti plastici, come Bez Batti, Carlos Scliar, Vasco Prado, Glenio Bianchetti, José Carlos Moura, Marta Gamond, alcuni dei quali sono raccolti in questa edizione. Ha parlato della dicotomia soggetto e oggetto, della soggettività impregnata nella pittura, della plasticità della scultura, delle rotture rappresentative nell'estetica e nei valori morali, riflettendo così sugli innumerevoli elementi che coinvolgono un'opera d'arte. Più che scrivere di arte, i saggi di Gerd Bornheim contengono tutta una verve poetica. I suoi testi non si limitano a cataloghi o pubblicazioni a contenuto accademico; c'era qualcos'altro, qualcosa di più sensibile, qualcosa di più vivo, che solo gli esperimenti e le percezioni poetiche potevano ottenere nella scrittura e nella filosofia.

Dalla semplicità della forma in Vasco Prado a una “specie di angeli diabolici” (BORNHEIM, 1994, p. 93) nelle teste scolpite da Bez Batti, Bornheim ha sentito il silenzio della scultura. E trovò: “La scultura ama il silenzio” (1994, p. 93). Nell'azione delle mani che danno vita e forma alla materia prima consiste l'atto di scolpire, l'atto di creare. C'è silenzio nel rapporto tra artista e materia, così come c'è silenzio nella scultura, “ma c'è un silenzio ancora più forte, proveniente da tante distanze, confluenze di un uomo; c'è la sufficienza delle mani che sanno tutto, sintesi della terra e dell'umano” (BORNHEIM, 1984, p. 77), e c'è il silenzio come espressione naturale della vita, che tocca l'arte per estensione, come qualcosa di inerente al essere umano. In questo senso, la scultura è la possibilità dell'esistenza per un artista come Bez Batti.

Per il nostro autore, “niente è più silenzioso della scultura” (1984, p. 77). Un silenzio che si condensa nelle forme quasi primitive o nell'“idea che si è incastrata nella testa o paralizzata nelle mani” (1994, p. 93) di Bez Batti, suo amico e interlocutore. Nella controparte del silenzio nasce anche il suono di un fiume, che porta con sé i ciottoli scolpiti dalle acque che precipitano verso Bez Batti. Il basalto è per Batti una passione infantile che si è intensificata nei momenti trascorsi sul fiume Taquari, contemplando un mare di sassolini.

Fu allora che iniziò a scolpire teste, souvenir di totem tribali o maschere africane, rimandandoci alle origini delle civiltà, e raggiungendo con esse “la loro massima espressività, il loro mezzo per riscrivere la favola del mondo” (1984, p. 77) . Lo scultore Bez Batti ricerca l'opera d'arte nella natura, anche se la pietra si dimostra resistente all'imposizione della forma. Sa che “la lotta con la materia prima può essere ardua” (1984, p. 77), e forse per questo ha investito nel contrasto tra pietra levigata e pietra grezza come segno delle sue opere e lotte. Il silenzio in Bez Batti appare nella solitudine o nel suo rapporto con la natura, suo rifugio, suo studio personale e dove trova materia, costruendo così, con la scultura, il suo luogo.

Musica, comunicazione e nuovi paesaggi delle arti contemporanee

Dopo i testi sull'esperienza estetica nelle arti plastiche, tocca alla musica presentarsi come paradigma estetico. Nella conferenza “Nietzsche e Wagner: il significato di una rottura”, Bornheim situa due prospettive per lui importanti per comprendere le arti contemporanee: la totalità wagneriana e la separazione brechtiana. La musica tra udito e parola, come nello scritto su Enio Squeff, compone un panorama di suoni e riverberi fondamentali sul tema della comunicazione e del linguaggio. È proprio la comunicazione, ricorrente in altri passaggi di questo libro, che verrà ripresa nel dattiloscritto originale “Arte e Comunicação” e nel convegno “La comunicazione come problema”. In “L'estetica della salute” c'è anche un tema cruciale per le domande di Bornheim, il corpo. Corpo, alterità, soggetto, oggetto, tecnologia e politica richiedono di pensare ai nuovi paesaggi delle arti contemporanee.

*Gaspare Paz Professore presso il Dipartimento di Teoria dell'Arte e della Musica dell'UFES. autore di Interpretazioni di linguaggi artistici in Gerd Bornheim (edufes).

*Thays Alves Costa è un dottorando in storia presso l'Università Federale dell'Espírito Santo (UFES).

*Erika Mariano Master in Teoria, Critica e Storia dell'Arte presso UFES.

Riferimento

Gerd Bornheim. Saggi e conferenze su teatro, letteratura, arti plastiche, musica e critica d'arte. Organizzazione: Gaspar Paz, Thays Alves Costa e Erika Mariano. Vittoria, Edufes, 2022.

Nota

^[I] È sempre bene ricordare il saggio di riferimento scritto da Bornheim sulla tragedia, “Brevi osservazioni sul significato e l'evoluzione del Tragico”, in Senso e maschera (1992).