da TARCÍSIO PERES*
L’abuso nell’uso della tecnologia porta alla percezione che la musica stia diventando eccessivamente sintetica e disumanizzata
1.
L’intelligenza artificiale e, in particolare, l’apprendimento automatico con la sua discendenza più recente – l’intelligenza artificiale generativa – sono stati ampiamente promossi come un’innovazione rivoluzionaria, in grado di trasformare diversi settori, tra cui la produzione di testi, arte, musica e altre forme di creazione di contenuti . Notevole è la somiglianza tra la diffusione iperbolica della pirotecnica e dell’Intelligenza Artificiale generativa e le storie del barone di Münchhausen, rese popolari da Rudolf Erich nel 1785.
Un dato concreto è che, nonostante gli appassionati di turno, questa tecnologia è sopravvalutata. Sebbene possa elaborare grandi quantità di dati e identificare modelli complessi, manca di una profonda comprensione del contesto, delle emozioni e delle sfumature culturali che esprimono la creazione umana. Ad esempio, un testo generato dall’Intelligenza Artificiale può essere tecnicamente corretto e informativo, ma manca della struttura emotiva, dell’originalità e della voce unica che caratterizzano la scrittura.
Le produzioni computazionali si materializzano in contenuti superficiali e generici, incapaci di catturare la ricchezza e la complessità delle esperienze umane. Vale la pena ricordare che la creatività umana è guidata dalle esperienze personali, dalle emozioni e da una comprensione intuitiva del mondo, elementi che sono intrinsecamente difficili da codificare negli algoritmi.
Discutere i dettagli tecnici alla base di questo problema può essere un po’ noioso. Per questo continueremo, suggestivamente, a sperimentare un'approssimazione, alla luce dei tempi, dell'estetica musicale.
2.
Nell'antichità il canto era una parte essenziale delle pratiche religiose e culturali. I Greci, ad esempio, avevano una ricca tradizione di musica corale e studiavano le proprietà matematiche del suono, stabilendo intervalli musicali che costituivano la base per le scale musicali. Pitagora, filosofo e musicista greco, identificò la relazione tra le frequenze dei suoni e sviluppò la teoria degli intervalli consonantici, come l'ottava, la quinta e la quarta.
Durante il Medioevo il canto gregoriano si distinse come la principale forma di musica sacra nell’Europa occidentale. Questo stile monofonico, caratterizzato da linee melodiche semplici e senza accompagnamento strumentale, enfatizzava la chiarezza del testo liturgico. I cantanti hanno sviluppato tecniche di respirazione e proiezione per mantenere la purezza e la continuità del suono in spazi riverberanti come le cattedrali. I neumi, simboli usati nei manoscritti del canto gregoriano, fornivano solo un'indicazione approssimativa della melodia.
Fu tra la fine del IX e l'inizio del X secolo che la musica occidentale iniziò a utilizzare la scala diatonica, una serie di sette note che divenne la base della teoria musicale occidentale. A Guido d'Arezzo, un monaco benedettino dell'XI secolo, viene spesso attribuito il merito di aver inventato una forma di notazione che si è evoluta negli spartiti moderni. Introdusse il tetragramma, un insieme di quattro righe che rendeva più facile la lettura delle note musicali, e creò un sistema mnemonico per insegnare gli intervalli musicali (che in seguito si evolsero in “C, D, E, F, G, A, B”).
Durante il Rinascimento divenne predominante la polifonia, con molteplici linee melodiche interconnesse. Compositori come Palestrina e Josquindes Prez esplorarono l'armonia e la contrapposizione, richiedendo ai cantanti un sofisticato controllo vocale e la capacità di mantenere linee melodiche indipendenti. La notazione musicale si è evoluta con il pentagramma a cinque righe, diventando standard e consentendo una maggiore precisione nella rappresentazione delle altezze delle note.
Nel periodo barocco l'opera emerse come un nuovo genere musicale, con il quale furono sviluppate nuove tecniche di canto. I cantanti avevano bisogno di una grande flessibilità vocale per eseguire ornamenti complessi ed esprimere un'ampia gamma di emozioni. Tecniche come bel canto, che enfatizzava la bellezza della linea melodica e il controllo del respiro, iniziarono a formarsi. Cantanti come Farinelli, uno dei più famosi castrati, esemplifica il virtuosismo tecnico ed espressivo di questo periodo. La notazione musicale divenne più sofisticata con l'introduzione della chiave di violino, di basso e di altre chiavi per indicare diversi registri vocali e strumentali.
Il neoclassicismo e il romanticismo apportarono ulteriori cambiamenti stilistici. La musica lirica e quella da concerto richiedevano voci capaci di proiettarsi su grandi orchestre. Centrale divenne lo sviluppo della tecnica del canto lirico, che enfatizza la potenza vocale e la chiarezza del timbro. Cantanti come Maria Malibran ed Enrico Caruso hanno esemplificato la capacità di combinare una tecnica raffinata con un'espressione drammatica.
Nel 20° secolo, la tecnica vocale ha continuato ad evolversi con l'introduzione di nuovi generi musicali, come ad esempio jazz, il musical teatrale e, infine, il pop e rock. Tecniche come l'uso del microfono consentivano un approccio più intimo e naturale al canto, mentre la formazione classica forniva ancora le basi per molti cantanti di stili diversi. Anche la pedagogia vocale ha fatto notevoli progressi, con una maggiore comprensione dell’anatomia e della fisiologia della voce.
Concludendo la nostra retrospettiva storica, negli ultimi anni, la tecnologia sintonizzazione automatica è stato introdotto nella produzione musicale, fornendo uno strumento per regolare e correggere l'intonazione vocale. Funziona regolando automaticamente le note cantate su quelle più vicine all'intonazione corretta, consentendo ai cantanti di mantenere l'intonazione perfetta anche se prestazioni non sono tecnicamente impeccabili.
3.
Nella nostra analisi sorge una domanda interessante. Una tecnologia utilizzata per correggere piccole imperfezioni nell'accordatura di un cantante – la ciliegina sulla torta nella prospettiva antica della musica che abbiamo appena riportato – comincia ad essere utilizzata per aiutare un cantante medio ad essere più intonato. Nel corso del tempo, l'uso di sintonizzazione automatica trascese la sua funzione originaria di correzione discreta e cominciò ad essere utilizzato in modo più evidente, creando un caratteristico effetto vocale. Questo uso stilizzato di sintonizzazione automatica, reso popolare da artisti come Cher alla fine degli anni '1990 e successivamente da T-Pain, ha dato origine a una nuova estetica sonora, caratterizzata da una qualità artificiale e robotica della voce, che è diventata un punto fermo in molti colpi contemporanei.
Questa pratica ha generato una serie di dibattiti e critiche all'interno dell'industria musicale e tra gli ascoltatori: l'abuso nell'uso della tecnologia porta alla percezione che la musica stia diventando eccessivamente sintetica e disumanizzata. Gli ascoltatori diventano meno tolleranti verso le imperfezioni vocali, aspettandosi prestazioni sempre impeccabile, sia nelle registrazioni che dal vivo, generando una maggiore pressione sulla produzione musicale, perpetuando il ciclo dell'artificialità.
Inoltre, se utilizzato in modo intensivo, il sintonizzazione automatica altera significativamente la qualità originale della voce, cancellando sfumature essenziali per l'espressività vocale. Un chiaro esempio è l'effetto del vibrato, una tecnica vocale in cui il cantante fa oscillare leggermente l'altezza di una nota per aggiungere calore ed emozione alla canzone. performance. Il vibrato è una caratteristica particolarmente apprezzata nei cantanti d'opera e di altri stili classici, come i tenori, la cui capacità di controllare e variare il vibrato è un segno di tecnica vocale avanzata.
O sintonizzazione automatica, provare a correggere l'intonazione in modo automatico e preciso ammorbidirà o addirittura eliminerà inavvertitamente il vibrato, producendo una voce che suona meccanicamente stabile e monotona. Questa perdita di sfumature rende il performance meno naturale ed emotivo, creando una sensazione di artificialità. Invece di migliorare la performance vocale, il sintonizzazione automatica, in questo contesto, finisce per standardizzare le caratteristiche uniche di ciascuna voce, annullando il lavoro tecnico ed espressivo dei cantanti. In altre parole, dopo secoli di ricca evoluzione, la musica viene palesemente pastorizzata dalla praticità computazionale.
Oltre al vibrato, l'uso di sintonizzazione automatica incide negativamente su diversi aspetti performance voce e la qualità della musica. L'espressività emotiva di un cantante può essere ridotta, poiché sottili variazioni di intonazione, dinamica e timbro sono essenziali per trasmettere emozioni. Anche il timbro vocale, che è unico per ogni persona, può essere standardizzato, rendendo le diverse voci più simili e meno distintive. La dinamica, che è la variazione dell'intensità e del volume della voce, è fondamentale per creare un performance coinvolgente ed emotivamente ricco. O sintonizzazione automatica uniforma queste variazioni, risultando in prestazioni più piatte e meno dinamiche.
Anche la qualità della risonanza e degli armonici prodotti dalla voce può essere alterata sintonizzazione automatica. Le armoniche, che sono frequenze aggiuntive generate insieme alla nota principale, contribuiscono alla ricchezza e alla complessità del suono vocale. Anche l'elaborazione digitale può modificare queste armoniche. Tecniche di canto avanzate, come i melismi, glissandi e comportamenti, perdono la loro naturalezza e fluidità quando regolati digitalmente.
Queste tecniche si basano su un controllo vocale preciso e possono essere ammorbidite o rese artificiali mediante l'elaborazione digitale. Inoltre, il rapporto tra la voce e gli strumenti di accompagnamento potrebbe essere influenzato, poiché il sintonizzazione automatica regola l'intonazione della voce in modo indipendente, creando una sottile disconnessione tra la voce e gli strumenti, soprattutto nei generi musicali che valorizzano l'interazione spontanea tra i musicisti.
La dipendenza da sintonizzazione automatica ha influenzato anche la formazione vocale e l'educazione musicale. Un economista diligente chiamerebbe questo effetto collaterale una “esternalità negativa”: fondamentalmente, se l’eccellenza tecnica può essere raggiunta attraverso il ritocco digitale, ci sono meno incentivi per i cantanti a investire tempo e sforzi nello sviluppo delle loro capacità vocali naturali. Inoltre, il sintonizzazione automatica ha reso gli ascoltatori dipendenti da un nuovo standard musicale ed estetico, spingendo gli artisti naturali a imitare questo effetto per raggiungere il pubblico, il che porta a un'omogeneizzazione della musica popolare e a una diminuzione dell'apprezzamento del vero talento vocale.
4.
A quanto pare, nulla di tutto ciò è stato menzionato dal barone Münchhausen nelle sue avventure donchisciottesche. In modo simile a sintonizzazione automatica nella musica, un lettore esperto è pienamente in grado di rilevare la mancanza di profondità emotiva e di autenticità nei testi generati dall'Intelligenza Artificiale, mentre un lettore occasionale può semplicemente sentire che qualcosa "manca" o che il testo suona "troppo perfetto" e "impersonale". ".
Se la pastorizzazione della musica è un evento celebrativo, gli attuali spettacoli pirotecnici nababeschi attorno all’Intelligenza Artificiale sono davvero giusti.
*Tarcisio Peres È professore di scienze presso gli Istituti Tecnologici dello Stato di San Paolo. Autore, tra gli altri libri, di Trarre profitto dagli squali: le trappole del mercato azionario e come usarle a proprio vantaggio.
Riferimenti
BURKholder, J. Pietro; BOCCA, Donald Jay; PALISCA, Claude V. Antologia Norton della musica occidentale. WW Norton & Company, 2019.
BOCCA, Donald Jay; PALISCA, Claude V. Una storia della musica occidentale. WW Norton & Company, 2014.
RASPE, Rudolf Erich. Le sorprendenti avventure del barone di Munchausen. Classici dei pinguini, 1993.
RUSSELL, Stuart J.; NORVIG, Pietro. Intelligenza Artificiale: Un approccio moderno. Prentice Hall, 2021.
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