da TESSUTO MARIAROSARIA*
Considerazioni su Il sol dell'avvenire, film di Nanni Moretti
L'espressione "l'unica del viale” (“il sole del futuro”) è spesso associato a Fischi al vento (Il vento soffia), come è avvenuto, ad esempio, con Gian Luca Pisacane e Carolina Iacucci in Italia, o, tra noi, con Eduardo Escorel. Questo è il canto delle Brigate Garibaldi, gruppi di partigiani comunisti che parteciparono alla lotta contro le forze nazifasciste, nel periodo finale della seconda guerra mondiale in Italia: “Fischia il vento e infuria la bufera, / scarpe rotte e pur bisogna andar / a conquistare la rossa Primavera / dove sorge il sol dell'avvenir” (Soffia il vento e si intensifica la tempesta / scarpe rotte, però bisogna andare / conquistare la rossa primavera / in cui appare il sole del futuro).,
In effetti, l’espressione è emersa “ufficialmente” nel contesto socialista, poiché è associata al Canto dei lavoratori (titolo originale) o Inno ho dato laboratori, conosciuto anche come All'interno del partito dell'operazione italiana: “Su fratelli, su compagne, / su, venite in fitta schiera: / sulla libera bandiera / splende il sol dell'avvenir”. il sole del futuro).
Secondo un documento dell'Archivio di Stato di Bologna, la Lega dei Figli del Lavoro “era un'associazione milanese di operai, che aveva tra i suoi scopi, oltre all'assistenza dei soci e alla mutua assistenza , l'educazione popolare, la tutela dei diritti dei salariati e la loro emancipazione sociale. Nel 1886 avrebbe dovuto essere inaugurato il suo stendardo: un'occasione importante, da festeggiare anche con un canto che, esaltando il lavoro, accentuasse gli ideali e le aspirazioni del movimento operaio”. La prima esecuzione pubblica del Inno ho dato laboratori Si svolse il 27 marzo 1886, con una cerimonia ristretta nella sala del Consolato dei Lavoratori, un giorno prima del previsto, poiché la grande festa del 28 marzo era stata vietata dalle autorità governative.
Il testo è stato scritto da Filippo Turati – giovane avvocato che, più tardi, fu tra i fondatori del Partito Socialista dei Lavoratori Italiani (1892) –, mentre la melodia è stata scritta dal giornalista e musicologo Amintore Galli, che le ha dato un ritmo forte, come una banda musicale. Sebbene vietato dalla legge, Inno ho dato laboratori Fu un grande successo e si diffuse rapidamente in tutto il Paese, con le sue “liriche cariche di una forte tensione ideale, quella tensione che in Italia alla fine dell'Ottocento accompagnò, costantemente e con grande forza, i primi passi del movimento operaio. movimento".
L'origine dell'espressione, però, è un po' più remota, come spiega il dizionario Treccani. Attribuito a Karl Marx, in italiano sarebbe stato utilizzato per la prima volta da Giuseppe Garibaldi in una lettera datata 5 agosto 1873 e indirizzata agli amici del Gazzettino Rosa, quotidiano milanese di tendenza socialista: “l'Associazione internazionale dei Lavoratori è il Sole dell'avvenire”. Lo storico Alberto De Bernardi sostiene che Garibaldi lo utilizzò nel 1872, quando giustificò, in una lettera all'amico Celso Ceretti, la sua appartenenza alla Prima Internazionale.,
Anche con il declino del comunismo, dopo la caduta del muro di Berlino (1989), l'espressione continuò ad essere utilizzata, come attestano alcuni esempi. Nel 1999, gli storici Maurizio Antonioli e Pier Carlo Masini, in Il sol dell'avvenire: l'anarchismo in Italia dalle origini della prima guerra mondiale (1871-1918), ha salvato il ruolo degli anarchici nella storia politica e sociale della giovane nazione.
Nel 2008 il regista televisivo Gianfranco Pannone, alle prese con l'emergere di Brigate Rosse (Brigate Rosse) e i suoi legami con ex combattenti di sinistra e dissidenti comunisti, ha intitolato il suo documentario Il sol dell'avvenire (Alba rossa). Il DVD, uscito nel 2009, era accompagnato da un libretto scritto dal giornalista Giovanni Fasanella e dallo stesso regista. Il documentario era basato sul libro Che dormono in BR (2004), scritto da Fasanella e Alberto Franceschini, uno dei fondatori dell'organizzazione clandestina.
Nel 2013 ha pubblicato lo scrittore bolognese Valerio Evangelisti Vivi lavorando o muori combattendo, primo volume della trilogia Il sole dell'avvenire, seguito da Chi ha del ferro ha del pan (2014) e Notte ci danno le stelle (2016). In esso, soffermandosi sulla vita di alcune famiglie di lavoratori rurali della sua regione natale, l'Emilia-Romagna, ha tracciato un quadro degli eventi che sconvolsero la società italiana nel periodo successivo all'Unità del Paese – segnato dall'affermazione del movimento operaio, cooperative e ideali socialisti, che incoraggiavano gli scioperi generali – fino all’inizio degli anni ’1950.
Nel 2014 Massimo Biagioni, nel Dove sorge il Sol dell'Avvenire: 1964. Il viaggio Pontasseve-Mosca nel diario di un gruppo di giovani di Pontasseve, ha raccontato il viaggio in Unione Sovietica di sette giovani di questo piccolo paese alle porte di Firenze, evidenziando la loro curiosità, la loro speranza, ma anche la loro delusione di fronte alla realtà dell'Est europeo, che contrastava con l'informazione che circolava nei loro paesi. Paese.
Nel 2017 nasce Franco Bertolucci L'Oriente emerge dal sole del mondo: la sua anarchia italiana e la rivoluzione russa, presentando i risultati di una sua ricerca sulle critiche degli anarchici italiani alla Rivoluzione russa, di cui avevano subito notato e denunciato la regressione autoritaria prima di altri movimenti di sinistra, considerati traditori dell'ideologia sovietica.
Nel 2021, a Splende il sol dell'avvenire: la nascita del PSI e del PCdI a Novi Ligure, Lorenzo Robbiano ha ricordato l'industrializzazione della cittadina piemontese a partire dalla fine dell'Ottocento e il conseguente conflitto tra capitale e lavoratori, che stavano acquisendo coscienza di classe.
Sempre nel 2021, un manifesto commemorativo del centenario del Partito Comunista d'Italia (così nominato all'epoca della sua fondazione) riportava la seguente frase: “Sorgerà di nuovo il sol dell'avvenire”. .
Finalmente, nel 2023, Nanni Moretti, riprendendo la sua eterna diatriba contro il PCI, pubblica il lungometraggio Il sol dell'avvenire (Il sole del futuro, in Portogallo; Il meglio deve ancora venire, in Brasile, titolo che indica ignoranza storica e può portare ad un'interpretazione imprecisa del film).,
Non era la prima volta che il regista si concentrava sulla crisi della sinistra, presente nella sua filmografia fin dai suoi esordi, La sconfitta (1973, cortometraggio in Super-8), all'opera sullo schermo in questo testo, attraverso il lungometraggio palombella rosa (1989) e la cosa (Una cosa, 1990, documentario), senza dimenticare alcune frecciate realizzate in altri film, ad esempio in Aprile (Aprile, 1998), guardando in televisione un dibattito elettorale dominato da Silvio Berlusconi, il protagonista prega uno dei relatori, Massimo D'Alema, di dire qualcosa di di sinistra, o anche qualcosa che non sia di sinistra, ma di reagire.
La sconfitta [La sconfitta], di cui il giovane regista è stato anche sceneggiatore e interprete (Luciano, ex attivista del '1968 in crisi), è stato realizzato per l'organizzazione politica Nuova Sinistra; Per parlare di lui non c'è niente di meglio che rivolgersi allo stesso Moretti, in un testo riprodotto da Wikipedia: “La storia si articola su due piani. Da una parte, l’invasione di Roma da parte dei metalmeccanici (centomila, trecentomila, mezzo milione…), il 9 febbraio 1973. L’arrivo alla stazione, la presa della città, il corteo studentesco, la finale manifestazione in piazza San Giovanni. La colonna sonora segue e commenta la manifestazione, seguendo lo sviluppo parallelo della crisi del protagonista. D'altra parte, tratteggiata più come appunti che come storia, la vita di un militante di un gruppo di sinistra.
Dopo una serie di esperienze, dubbi e delusioni, amici e compagni troppo sicuri di sé, ha smesso di fare politica. I momenti di questa crisi, che si alternano a una classe operaia combattiva che il protagonista non incontra mai, ma che sostiene, forse solo ritualmente. Il film non ha un finale, ma resta una proposta e uno stimolo per affrontare criticamente alcuni problemi presenti oggi nella sinistra, come il rapporto pubblico-privato e il 'nuovo modo di fare politica'”.
Il lungometraggio del 1989 uscì nelle sale il 15 settembre e, come ricorda lo stesso regista, in una dichiarazione riportata da Wikiquote: “quando venne presentato in anteprima palombella rosa, un giovane critico del PCI (non un vecchietto compiaciuto) scriveva che il mio era un vecchio film e che non parlava del PCI di allora, il PCI di Occhetto, che certo non aveva crisi d'identità. Sì, due mesi dopo è caduto il muro di Berlino e il Pci non esisteva più». Gli avvenimenti storici daranno ragione a Moretti, ma la sua relazione è rimandata all'avvicinarsi del la cosa.
Descrivendo un leader comunista disorientato a causa della fine degli ideali per i quali la sua generazione aveva combattuto, palombella rosa portava in sé i presagi del tramonto di un periodo politico. Dopo l'incidente con la macchina, Michele Apicella perde la memoria e la sua amnesia diventa metafora della perdita di identità del suo partito. La memoria, però, si ricostruirà gradualmente, in lampi del passato, in cui immagini di La sconfitta. Pur non avendo memoria, parte con la sua squadra, il Monteverde, per giocare una partita di pallanuoto contro l'Acireale: la disputa del girone acquista un significato molto politico, soprattutto quando Michele effettua un tiro parabolico, che potrebbe significare la vittoria della sua squadra, invece di lanciando la palla a destra, la lancia a sinistra.
Secondo Mattia Madonia la sconfitta sportiva per 8-9 corrisponderebbe alla “sconfitta del 19”. Come alla fine di Dottor Zivago (Il dottor Zivago, 1965), di David Lean, che lo sportivo e il pubblico guardano in televisione nel bar del club, non si può cambiare il corso della storia, per quanto si speri che ciò accada. Il film nel film diventa così la metafora del “fallimento” di Michele nello sport e nella politica, anche se non sembra disposto a rinunciare al suo attivismo.,
Infatti, in un'intervista televisiva, si schiera a favore di un cambio di rotta: “Dobbiamo guardare all'uomo. Dobbiamo aprire le porte del partito a tutti, ai giovani, alle donne, ai lavoratori, ai movimenti… Dobbiamo dire venite, venite al partito, prendetene il controllo, vediamo insieme cosa possiamo fare…” ., La critica che il pallanuotista rivolge al suo partito è la stessa che il dissidente Corrado Corghi, ex segretario ed ex membro del Consiglio nazionale della Democrazia Cristiana, pronunciò nel 2008 nei confronti del PCI della fine degli anni Sessanta, nella ora citata documentario Il sol dell'avvenire: “Ho visto, da allora in poi, quello che stava accadendo, non dico la frammentazione del Partito Comunista, sarebbe ridicolo pensarci, ma ho visto una differenziazione, al suo interno, tra un mondo giovane più aperto, più aperta al dialogo, e il modo, diciamo, statico, veramente statico” della federazione comunista della Régio da Emília.
Sulla via del ritorno a Roma, l'auto di Michele precipita lungo un ripido pendio, ma lui e la figlia ne escono illesi e vanno incontro alle persone accorse in loro aiuto. Tutti si rivolgono verso l'alto della sponda, dove, come se fosse un manifesto, si sta erigendo un grande disco rossastro e lo salutano con il braccio destro proteso in avanti. Mentre Michele adulto, insieme agli altri, rende omaggio al sole del futuro, Michele bambino si fa beffe della situazione, evidenziando la scissione del personaggio.
Prima di affrontare la cosa, è essenziale ricapitolare il contesto in cui è emerso. Il 12 novembre 1989, nel corso di una cerimonia di commemorazione della Resistenza italiana a Bologna, Achille Occhetto, segretario del PCI, propose di “non continuare su vecchie strade, ma inventarne di nuove per unificare le forze progressiste”, parole che portavano a presagire una cambiamento radicale nel partito. Fu quella che venne chiamata “la svolta della Bolognina”, a causa della zona della città in cui fu dato l'annuncio.
Le discussioni che seguirono finirono per creare due ali all’interno del PCI: quella di destra, fedele al segretario, prevedeva una coalizione con altri partiti di sinistra, i cosiddetti “sinistro diffuso” (sfocato a sinistra); la sinistra, in un primo momento, ha optato per la prudenza. Il cambio di rotta implicherebbe anche un nuovo nome per il partito; ma, come diceva Occhetto, “prima viene la cosa e poi il nome.
E il punto è la costruzione di una nuova forza politica in Italia”. Così il dibattito sulla “svolta della Bolognina” divenne noto anche come “il dibattito sulla Cosa”. Il 31 gennaio 1991 si tenne a Rimini (Emilia-Romagna) l'ultimo congresso del Partito Comunista Italiano. Il 3 febbraio il Partito democratico sinistro (Partito Democratico della Sinistra) e, il 15 dicembre, il partito Fondazione comunitaria (Rifondazione Comunista).
Interessato ai dibattiti seguiti alla “svolta della Bolognina”, non nel Comitato Centrale, ma in alcune sezioni del PCI in tutta Italia, in La cosa, Nanni Moretti ha dato la parola a semplici attivisti, che hanno discusso dei cambiamenti proposti dal partito, compreso il nome stesso, ed hanno espresso la loro preoccupazione per il futuro della sinistra. Moretti ha registrato le discussioni con sguardo quasi antropologico, senza alcun commento da parte sua e le ha presentate, nel documentario, nel seguente ordine: 19 dicembre 1989 – Francavilla di Sicilia (vicino a Messina); 10 dicembre – Genova, quartiere Ca' Nuova; 7 dicembre – Bologna, quartiere Navile (ex Bolognina); 3 dicembre – Napoli, quartiere San Giovanni a Teduccio; 19 dicembre – Torino, FIAT Mirafiori; 27 novembre – Milano, quartiere Lambrate; 24 novembre – San Casciano in Val Pesa (vicino Firenze); 22 novembre – Roma, quartiere Testaccio.
La spontaneità con cui il regista ha saputo catturare gli accesi dibattiti popolari, senza intervenire nel processo in corso, è stato un punto positivo evidenziato dalla critica di sinistra, come registrato da Wikipedia. In il manifesto (quotidiano romano di sinistra, fondato da dissidenti comunisti), Rossana Rossanda l'ha scritto la cosa è stata “una lezione di giornalismo”, per essere riuscito a catturare “un momento che non si ripeterà, nella sua infanzia, colto di sorpresa, sotto shock, incerto” e per “aver guardato il corpo dell’esperimento e non i medici che hanno operato.
Non per il segretario, i dirigenti, i maître à penser, ma per uomini e donne specifici che la stampa non frequenta, ma evoca vagamente come massa resistenza, persone il cui consenso conta solo, serializzato, in vista degli equilibri al vertice. […] in politica i pensieri si misurano in potenza. Moretti si è occupato di altro, del resto, delle vite, dei volti e delle mani di chi è la base, un partito senza nome”.
Lo spirito che si agitava la cosa è presente anche nel lungometraggio del 2023. Solo che questa volta, a differenza dei tre film precedenti, Moretti si concentra su un evento del passato per riflettere sul presente: la Rivoluzione ungherese (23 ottobre – 10 novembre 1956), quando i carri armati sovietici represse una rivolta popolare che, da manifestazione pacifica di solidarietà con le vittime della repressione (operai e studenti) agli scioperi polacchi del giugno dello stesso anno, si trasformò in rivolta contro la dittatura locale e la presenza dei russi nel paese,. La sua ripercussione fu intensa e portò in Italia a mettere in discussione la posizione ufficiale del PCI, con attivisti che pubblicamente presero posizione contro il partito e si dissociarono dal partito.
Al regista, quindi, non interessa la versione “ufficiale”, poiché gli interessa portare alla luce come quel momento fu vissuto da persone semplici, che avevano aderito agli ideali comunisti perché credevano nell'uguaglianza tra gli uomini e nella giustizia sociale. Nelle prime immagini del film, Roma dorme all'ombra della grande cupola di San Pietro, che la sovrasta. Nel silenzio della notte, nei pressi di Castel Sant'Angelo, un gruppo di uomini scende con delle corde lungo il muro lungo il fiume Tevere, per spruzzare vernice rossa: Il sol dell'avvenire. [7]
Sarà questo il titolo del lavoro che vedrete, che inizia concentrandosi sul quartiere periferico del Quarticciolo, dove il caposezione Antonio Gramsci fece installare l'illuminazione elettrica nelle case popolari e in strada. La gente applaude l'arrivo della luce, con soddisfazione di Ennio Mastrogiovanni (Silvio Orlando), che è anche caporedattore di L'Unità, organo ufficiale del PCI, e la sua compagna Vera Novelli (Barbora Bobuľová), sarta e attivista.
È allora che avviene il primo passaggio dal passato (il film in lavorazione) al presente: dietro le quinte della sua produzione, Giovanni spiega ai più giovani della sua squadra com'era il comunismo in Italia all'epoca. Preoccupato per l'uomo di scena, che lascia sempre sul set oggetti successivi al periodo rappresentato, anche Giovanni non rispetta scrupolosamente la regola, poiché vuole che una bottiglia di acqua minerale venga etichettata fittiziamente “Rosa Luxemburg”, in onore del grande pensatore e attivista comunista polacco; avere un titolo abbreviato L'Unità dal 1956, troppo lungo per oggi; e, soprattutto, non vuole che Stalin venga rappresentato nel suo film: se gli ungheresi avevano abbattuto le sue statue nella vita reale, lo esclude nella finzione, stracciando l'effigie del leader indesiderato su un manifesto che lo ritraeva accanto Lenin. Il suo gesto anacronistico è ironico, se si considera che Stalin, manipolando le immagini, ordinò che le sue disaffezioni venissero cancellate dalle registrazioni fotografiche.
Le idiosincrasie di Giovanni non erano solo queste: odia zoccoli e prende in giro chi li indossa (come Barbora, che, infatti, lo è muli), ad eccezione di Aretha Franklin nel suo numero musicale, PensareSu The Blues Brothers (I fratelli Faccia di Dick, 1980), di John Landis; anche se preferirebbe indossare un paio di infradito piuttosto che zoccoli. Ricorda l'eleganza del personaggio di Anthony Hopkins in Il padre (Mio padre, 2020), di Florian Zeller, che girava per casa in pigiama ma con le scarpe. Un'implicazione già presente in La tabella è finita (La messa è finita, 1985) e palombella rosa, e che ritorna in Il sol dell'avvenire: “Odio il zoccoli, e questo lo sai... Se il piede è coperto davanti, deve esserlo anche dietro. Non vedo le dita? E poi non voglio nemmeno vedere il tacco! […] Voi zoccoli Sono come le pantofole, che non sono scarpe, ma una visione del mondo. Una tragica visione del mondo”.
Ci sono però anche simpatie, come la trapunta patchwork che lo ricopre – la stessa di Michele Apicella di sogno d'oro (Sogni d'oro, 1981) –, che insieme al gelato alla crema di zenzero di Bronte con cannella, meringa alla nocciola e pistacchio, si è divertito a guardare per l'ennesima volta la commedia musicale Lola (Lola, il fiore proibito, 1961), di Jacques Demy, in compagnia dei familiari, garantirebbe il successo della nuova produzione. Ma la figlia riceve una telefonata dal fidanzato e dalla moglie dalla produzione di un film di un altro regista in cui è coinvolta. Abbandonato a se stesso, Giovanni rinuncia a vedere Lola e, senza dimenticare il gelato, va a letto con la certezza che la sua ultima impresa non andrà a buon fine.
Tralasciando momentaneamente idiosincrasie, simpatie, riferimenti e autoreferenzialità, del protagonista e tornando al film nel film, Cirkusz Budavari è appena arrivato dall'Ungheria, per rafforzare i legami tra il suo Paese e l'Italia, venendo ben accolto da Ennio, Vera e dagli abitanti del quartiere periferico. Il nome del circo è l'omaggio di Moretti all'ungherese Imre Budavari, ex pallanuotista, avversario di Michele in palombella rosa.
Sebbene la presenza del circo sia stata quasi sempre associata all'universo Felliniano, secondo Demetrio Scelta forse Cirkusz Budavari richiama alla mente “anche la leggerezza dei circensi in opere come Der Himmel uber Berlin […], metafora ideale di un mondo sospeso tra la grazia del desiderio e la gravità delle scelte che tutti siamo chiamati a fare”., L'approccio alla produzione di Wim Wenders (Ali del desiderio, 1987) è molto interessante perché fa riferimento sia alle parole del produttore francese Pierre Cambou – che considera il film di Giovanni “rivoluzionario”, “una metafora del cinema di oggi, sospeso in alto come un trapezio da circo” – sia alla locandina originale, in cui un acrobata è sospeso su un'altalena attaccata a una specie di palloncino che porta il titolo del film, probabilmente quello che appare in una rapida flash notte.
Lo spettacolo d'esordio del circo viene accolto con entusiasmo dal pubblico, alla presenza anche del leader del PCI, Palmiro Togliatti, della deputata Nilde Iotti (sua compagna) e di altri membri del comitato centrale, che però abbandonano improvvisamente il posto. Appena terminata la seduta di quella notte, Vera, Ennio e i membri dell'equipe si mettono alla ricerca dell'unico televisore del quartiere e guardano, sconvolti, i fatti accaduti in Ungheria (immagini di repertorio dell'epoca). Vera è scioccata dal fatto che gli invasori siano comunisti come loro, ma Ennio dice che dovrebbero aspettare la posizione del partito.
Nel frattempo, il cineasta e il suo produttore francese vagano di notte per Roma alla ricerca di luoghi che ricordino la Budapest degli anni '1950. Sono in piazza Mazzini, già teatro di Giornaliero costoso (Caro diario, 1993), al quale ha dedicato il cortometraggio Piazza Mazzini (2017), in cui, durante una seduta di fisioterapia, parla del luogo pubblico, ricordando che, una volta lanciato, Ecce grancassa (Ecce grancassa, 1978) era considerato “un film troppo su Roma, troppo su Roma Nord, troppo sul quartiere Prati, troppo su Piazza Mazzini”. Giovanni e Pierre si muovono su scooter elettrici, che ricordano la vespa del primo episodio di Giornaliero costoso. Nella locandina del film del 1993, il protagonista è visto di schiena sul suo mezzo di trasporto, che ha ispirato la locandina francese della produzione del 2023, con Giovanni visto di fronte sul suo scooter, diretto verso un futuro radioso (Vedi un viale radieux, titolo in francese), che mal corrisponde alle intenzioni del regista.
Poi, auto a tutta velocità e scambi di colpi di arma da fuoco lasciano Giovanni perplesso. È sul set di un altro film prodotto da Paola e interroga la moglie, che risponde che è un tema shakespeariano. La perplessità nasce dal fatto che nelle opere di William Shakespeare o di Fëdor Dostoevskij non c'è violenza fine a se stessa, poiché la loro rappresentazione ha sempre uno sfondo morale. Più tardi, in macchina, altra costante della filmografia di Moretti, il cineasta commenta ad un assistente che gli piacerebbe raccontare i cinquant'anni di vita comune di una coppia, con tanta bella musica italiana. Dopo tanti anni, ti senti come se fossi ancora al punto di partenza e per ricaricarti, ascolta la canzone Solo sulla parola per dormire (2012), di Fabrizio Moro.
La musica continua set, dove Giovanni guida il gruppo che canta. Le parole, che tanto avevano raccontato in altri film – come ad esempio in Palombella rossa: “Bisogna trovare le parole giuste: le parole sono importanti!” –, ora non bastano più, sono solo parole. Una dichiarazione della sua interprete, Noemi, riportata da Wikipedia, sembra sintetizzare il motivo per cui Moretti ha inserito la canzone nel film: “È un testo sull'incomunicabilità, sull'importanza dei gesti oltre le parole, sul fatto di poter risolvere problemi e andare sempre avanti nella vita.” Quando Giovanni grida “motore!” (Azione!) e tutti i presenti cominciano ad avvicinarsi alla telecamera, la sensazione è di trovarsi su un altro strato della produzione morettiana, che non è quello dei personaggi dei due film, ma quello della vita reale che viene filmata, è una presa di posizione.
Durante il bagno, in un momento che dovrebbe essere un momento di relax, Giovanni è accompagnato dai suoi assistenti a bordo vasca che, cercando di adattarsi al ritmo delle sue bracciate, discutono con lui i dettagli del percorso. Durante lo sport, si ricorda che gli piacerebbe realizzare un film basato sulla storia Il nuotatore (Il nuotatore, 1964), di John Cheever, in cui, in una bella giornata estiva, un uomo decide di nuotare davanti a tutte le piscine dei suoi vicini,. Gli assistenti pensano subito in quali piscine romane potrebbe nuotare il protagonista, ma Giovanni non gradisce i loro suggerimenti, perché non hanno tenuto conto che per lui sarebbe stato un viaggio non nello spazio, ma nel tempo. E la piscina e il viaggio nel tempo si riferiscono Palombella rossa.
Il manifesto interesse per la trasposizione cinematografica della storia di Cheever attira l'attenzione perché, tranne in due occasioni, Moretti non basò la sua opera su opere letterarie. È stato il caso di Tre piani (Tre Piani, 2019), tratto dal romanzo Shalosh komot (2015), dello scrittore israeliano Eshkol Nevo e, all'inizio della sua carriera, di Vieni a parlare frate? (1974, mediometraggio in Super-8), parodia di un estratto dal sesto capitolo del romanzo storico Prometto sposi (La sposa e lo sposo, 1840-1842), di Alessandro Manzoni, in cui il giovane cineasta interpretava il dispotico Dom Rodrigo, disposto a impedire le nozze tra i due protagonisti, Renzo e Lucia.
I riferimenti letterari, tuttavia, sono presenti nella sua cinematografia e non è stato diverso Il sol dell'avvenire, come si è visto e si vedrà in tutto questo testo. Inoltre, ci sarebbe una certa parzialità pirandelliana nel film, secondo alcuni critici, che non approfondiscono la sua affermazione o non sono convincenti nelle sue argomentazioni, come nel caso di Alice Figini, per la quale, come il drammaturgo, il regista “squarta la linearità dell'ordine temporale, disintegra lo spazio scenico-teatrale e rompe la quarta parete”.
Poiché nel cinema la pratica è già consolidata, non era necessario appellarsi al buon vecchio Luigi Pirandello, poiché, nella frase successiva, l’autore uccide la farsa: “Il riferimento a 81/2 di Fellini (1963) e il suo protagonista, il regista Guido Anselmi, il cui Giovanni, interpretato da Moretti, sembra il suo sosia allo specchio” ,. In altre parole, la struttura di 2023 rimanda piuttosto all'universo Felliniano, anche se i due cineasti affrontano in modi diversi la crisi artistica ed esistenziale dei loro alter ego.,
Tornando alla trama del film, una sera, su richiesta della figlia, Giovanni e Paola vanno a cena a casa del fidanzato di lei: restano sorpresi quando entrano nell'ambasciata polacca e ancor più dal fatto che l'ambasciatore, un signore più anziano di loro figlia, padre, sii l'amore di Emma. L'ambasciatore è interessato al film, che gli ricorda la storia della sua famiglia in quello stesso periodo messo a fuoco ed elogia la colonna sonora che sta componendo la sua ragazza, che Giovanni ancora non conosce.
Nella finzione nella finzione, il Cirkusz Budavari è in sciopero, in solidarietà con i suoi compatrioti che resistono all'invasione sovietica. Forse nessun circo magiaro visitò l'Italia nel 1956, ma si ha notizia di Honvéd in visita a Milano per un'amichevole contro il Milan, l'8 dicembre, quando i suoi calciatori entrarono in campo portando dei garofani, che poi offrirono al pubblico presente, in segno di amicizia. La mitica squadra di calcio dell'esercito ungherese era in tournée nell'Europa occidentale dal 1° novembre e i giocatori, di fronte all'invasione dell'Armata Rossa, invece di tornare in Ungheria, si sforzarono di allontanare le loro famiglie dal paese, come registrato in “Viaggio nell'utopia. "
Tornando al film che Giovanni sta girando, alla luce dell'annuncio dello sciopero, Vera tiene un discorso a nome del PCI, promettendo aiuto alla troupe e affermando: “Noi italiani siamo un'eresia rispetto agli altri partiti comunisti”. Le improvvisazioni di Barbora irritano la regista, ma lei si difende dichiarando di seguire il metodo di John Cassavetes. Giovanni ribatte che, nonostante la sua ammirazione, è all'estremo opposto del regista americano. Più tardi, in macchina con Paola, si lamenta della sua ribellione e dei suoi sabotaggi, pensando di sostituirla. Da qui il riferimento a Pensare, che i due cantano con grande entusiasmo, in un momento di gioia che precede una lunga sequenza in cui esplode la scontrosità di Giovanni.
Non set dell'altro film che Paola sta producendo inizieranno a girare il finale. Due attori si confrontano: uno in ginocchio e uno in piedi, che punta una rivoltella alla testa dell'altro, in un'inquadratura che sembra quasi letteralmente presa da Affitta cani (Le Iene, 1992), di Quentin Tarantino,, in cui uno degli antagonisti è in piedi e l'altro è steso a terra e si puntano le armi a vicenda. Le riprese vengono interrotte da Giovanni, adducendo un problema etico: l'immagine proposta è banale e superata, e lui non concepisce il cinema in quel modo. Si contrapporrà alla riflessione sul male insensato proposta da Krzysztof KieśLowski nel film Non zabijaj (Non ucciderai, 1988), espansione del quinto episodio omonimo della serie televisiva Dekalog (Il decalogo, 1989).
È in questa sequenza che Moretti si inserisce in una serie di piccoli schizzi – che secondo Luca Pacilio e Eduardo Kaneco si riferiscono a Annie Hall (Sposo nevrotico, sposa nervosa, 1997), di Woody Allen –, il cui obiettivo è riflettere sulla gratuità del male nel cinema: la videochiamata dell'architetto Renzo Piano, che ammira la violenza trasfigurata in linguaggio, come in Apocalisse ora (Apocalisse ora, 1979), di Francis Ford Coppola; la partecipazione sul set del giornalista e conduttore televisivo Corrado Augias, il quale, come se fosse un esperto, spiega che “il l’arte è e deve essere controintuitiva” (in altre parole dovrebbe sorprendere, essere il contrario di quanto intuitivamente ci si aspetta da lei), e dalla scrittrice Chiara Valerio, autrice di La matematica è politica (La matematica è politica, 2020), che fornisce una breve panoramica sulla geometria di un reato; la telefonata frustrata a Martin Scorsese. La caparbietà di Giovanni proseguirà fino a tarda notte e sarà solo al mattino che lascerà il set, cosa che permetterà all'altro regista di terminare finalmente le riprese del suo film, con il quale, aveva detto in precedenza, intendeva seppellire il neorealismo. una volta per tutte (a quanto pare, con un ritardo di decenni).
Intanto, sul set del film di Giovanni, Ennio recrimina Vera, spiegandole che l'Ungheria è una storia in cui è necessario schierarsi con il comunismo. In risposta, il compagno lo bacia, cosa che irrita il regista, perché questo non era previsto. Barbora contesta questa osservazione, poiché gli sembra che quello che stanno girando non sia un'opera politica, ma un film pessimistico sull'amore. Mentre tutti si preparano a partire, Giovanni fa dei piccoli trucchi con la palla, come in sogno d'oro e La tabella è finita. È allora che scoppia la musica romantica – Et si tu n'existais pas (1975) – grande successo per il cantante Joe Dassin, che introduce la sequenza in cui il regista riceve la visita della figlia con la quale parla della fine del suo matrimonio. Paola, infatti, che da tempo segue sedute di terapia, ha cambiato casa perché non riesce più ad accettare certi atteggiamenti del marito, che non riesce ad accettare la separazione, sentendosi perso senza il compagno.
Sulla sequenza finale di La dolce vita (La dolce vita, 1960), di Federico Fellini, si alza la voce di Luigi Tenco Lontano, lontano (1966), cantando di un amore finito, ormai lontanissimo, ma di cui rimangono ancora tracce. Sulla spiaggia, Marcello (Marcello Mastroianni), a causa del rumore del mare, non capisce cosa la giovane Paola (Valeria Ciangottini) sta cercando di comunicargli e fa un segno di rassegnazione, con entrambe le mani a coppa vicino al viso , come se volessi dire che poteva andare diversamente, ma è stato così, pazienza.
La sequenza Felliniana abbinata alla canzone di Tenco crea un momento altamente poetico, ma porta anche a riflettere sulla possibilità di riscattare i propri errori (quelli del dissoluto Marcello se avesse sentito il richiamo dell'angelica Paola), di ricostruire la propria vita , di come tutto potrebbe essere diverso, se... Giovanni, che stava guardando il film, incoraggia due giovani seduti di fronte a lui a baciarsi, come se fossero lui e sua moglie quando erano piccoli. E quando Paola gli chiede se si ricorda, lui risponde: "Ricordo" e sarà proprio questa stessa frase che ripeterà due volte quando si sveglierà sul divano nella casa della figlia che lo ospita, che gli permette di interpretare questa sequenza come se fosse un tuffo nel passato personale, ma in chiave onirica.
Nella scrittura di L'Unità, Ennio aveva sorpreso due compagni che si stavano baciando. Ne chiama uno nel suo ufficio e gli rimprovera la mancanza di modestia, aggiungendo che un comunista deve sempre avere un comportamento esemplare (dimenticando che Togliatti aveva lasciato la moglie per la deputata Nilde Iotti). Giovanni, sentendo un rumore sul set, scopre che Pierre ha dormito lì, sostenendo che il suo albergo è molto rumoroso da una settimana. Cercando di persuadere il regista, gli racconta del suo contatto con Netflix, che garantirebbe il successo della produzione (soprattutto dopo l'arresto del produttore) e che innesca una delle sequenze più sarcastiche del film.
L'incontro con i rappresentanti di Netflix è doloroso perché le argomentazioni di Giovanni e Paola cozzano con le formulazioni stereotipate con cui vengono contrastate. Un film politico può anche essere poetico, come San Michele aveva un gallo (Un grido di rivolta, 1972), di Paolo e Vittorio Taviani), ricorda il regista, e gli attori sono bravi, aggiunge il produttore, ma ribattono che il cinema italiano non ha sistema stellare e al film di Giovanni ne manca uno che cazzo, che lascia stupiti sia marito che moglie per l'atteggiamento robotico dei loro interlocutori che toccano sempre la stessa corda: Netflix è presente in 190 paesi.
Costretto a sospendere le riprese e separato da Paola, Giovanni scava nel suo passato personale e, quando si ferma a un semaforo, nell'auto accanto a lui, vede i due giovani al cinema, che litigano e ai quali suggerisce cosa fare dire, come comportarsi, dare consigli al ragazzo che insegue la ragazza. Nell'immagine appare La canzone dell'amore perduto, di Fabrizio De André, rievocando una travolgente passione giovanile che si è raffreddata e della quale sono rimaste solo “carezze indifferenti e un po' di tenerezza”. Si tratta di una sequenza apparentemente “sciolta” del film che lo vede protagonista e che rimanda, ancora una volta, alla dimensione onirica.
A casa riceve la visita di Silvio e Barbora, che sono preoccupati per lui e per le difficoltà nella ripresa delle riprese, e continuano a incontrarsi. Quando Giovanni rientra nella stanza, dopo aver risposto ad una telefonata, trova i due tubare e, dimenticandosi di avere davanti non Ennio e Vera, ma Silvio e Barbora, li rimprovera, come se non distinguesse più tra finzione e realtà.
Nel frattempo la troupe cinematografica comincia a disperdersi, il circo viene smantellato. E, nell'altro film, Vera e un manipolo di compagni, che intendevano pubblicare sull'organo del partito un documento a favore della rivoluzione ungherese, rimangono stupiti dal rifiuto di Ennio, fatto che si riferisce a un episodio reale, quello della " Manifesto dei 101”, redatto il 28 e 29 ottobre, i cui firmatari erano contrari alla linea ufficiale del PCI riguardo all'invasione sovietica. L'Unità rifiuta di pubblicizzare il testo, provocando la dissociazione degli attivisti; Il 30 ottobre il manifesto viene pubblicato dalla stampa borghese, grazie all'impegno del critico letterario Carlo Muscetta, citato in “Viaggio nell'utopia”.
E, sul set, Giovanni se la prende con i discorsi di Ennio e Vera quando lei gli restituirà la tessera del PCI. Chiede di rifare la scena senza dialoghi e quando grida “Azione”, non è ambientata nel 1956, ma ai giorni nostri, con lui e tutta la troupe che ballano a suon di Voglio vederti danzare (1982), di Franco Battiato: poiché il testo si riferisce a dervisci che volteggiano per raggiungere l'estasi mistica – “E tutto gira intorno alla stanza mentre balla” – molti critici hanno sottolineato la somiglianza tra le due coreografie, anche se i ballerini Morettiano si limitano a volteggiare, senza seguire alcun rituale.
La danza è una costante nella filmografia del regista: basti pensare alle coppie che ballano in chiesa, a suon di Tornerai (1965), del cantante e compositore Bruno Lauzi, nella sequenza finale di La tabella è finita; in quella specie di balletto acquatico in piscina palombella rosa, imballato da Sono in fiamme (1984), del cantautore americano Bruce Springsteen; nella danza araba tra l'attore Barry Huggins (John Turturro) e la costumista (Isabella Merafino), incitati da tutti i presenti sul set, in Mia Madre; nella divertentissima sequenza del secondo episodio di Giornaliero costoso, quando, al ritmo del baião Il drone nero (1951), di Armando Trovajoli e Franco Giordano, Moretti prova a imitare Silvana Mangano, protagonista del film Anna (1951), di Alberto Lattuada, trasmesso dalla televisione di un bar; nella sua ammirazione per un ballo all'aria aperta, al suono di Visto per un sogno, dell'artista caraibico Juan Luis Guerra (1989), interpretato dal Gruppo Diapason, al quale si unisce, nel primo episodio della stessa produzione e – perché no? – nei movimenti a zigzag della sua moto che aprono il film, prima del suono dei battiti di batonga (1991), della cantautrice beninese Angelique Kidjo, poi supportata dalla voce del cantautore canadese Leonard Cohen in sono il tuo uomo (1988), quando confessa: “In realtà il mio sogno è sempre stato saper ballare bene. Flashdance, si chiamava quel film che mi cambiò definitivamente la vita. Era un film che parlava solo di danza. Sapendo ballare, però, alla fine mi limito sempre a guardare, che è anche bello, ma non è la stessa cosa”.,
Questi esempi servono a dimostrare che, nei film di Moretti, se “c'è una danza” o “un movimento ondoso”, la canzone si impone anche “per il suo significato ritmico”, per usare le parole di Federico De Feo. Sempre secondo questo autore, però, la canzone ha una funzione molto più interessante: “ci racconta in modo così dettagliato i personaggi, i principali punti di svolta della trama, il sottotesto profondo dietro una sequenza”. In questo senso, la struttura musicale, nella cinematografia del regista, “non si sviluppa seguendo il ritmo della narrazione, ma, […], al contrario, si concentra sugli aspetti interiori dei protagonisti, e […], attraverso la scelta delle certe canzoni, consente al pubblico l’accesso a nuovi significati all’interno della loro particolare estetica”. Questo è ciò che accade con tutte le canzoni citate finora e, nel caso di Il sol dell'avvenire, in particolare con E se non esisti,, Lontano, lontano e La canzone dell'amore perduto, e molti altri: Insieme a te non ci sto più (1968), di Vito Pallavicini e Paolo Conte, con la voce di Caterina Caselli, in Bianca (Bianca, 1984), che Moretti utilizza nuovamente in La strofa del figlio (La stanza del figlio, 2001), a fianco Presso questo fiume (1977), del cantautore inglese Brian Eno; Seibellissima (1975) di Claudio Daiano e Gian Pietro Felisatti, con la voce di Loredana Bertè, in La tabella è finita; Dormo come un ragazzone (1992), del cantante e compositore Jovanotti, in Aprile; La figlia del Blower (2001), del cantautore irlandese Damien Rice, in Il Caimano (O coccodrillo, 2008) e così via.
tornando a Voglio vederti danzare, il parallelo con la danza dei dervisci, non è un'ipotesi da scartare, anche se questa sequenza si presta ad un'interpretazione più politica. Dalla fine di gennaio 2002, nelle grandi città italiane (Milano, Roma, Firenze, Napoli, Genova, Bologna), diversi gruppi di cittadini si sono organizzati in difesa dei principi democratici e della legalità. Il movimento venne chiamato girotondismo perché i suoi partecipanti hanno dato un abbraccio simbolico – facendo a girotondo (una ruota) – agli edifici delle istituzioni pubbliche minacciati dal governo di centrodestra di Silvio Berlusconi.
Sebbene per lo più di sinistra, il girotondini, che non ha mai avuto intenzioni elettorali, non ha mancato di attaccare i partiti di sinistra che consideravano insensibili e con le spalle al muro. In questo movimento di breve durata – il suo apice si ebbe a settembre, ma un anno dopo il suo esordio cominciò a raffreddarsi e, col tempo, a perdere sempre più vigore – spiccava la figura di Nanni Moretti, che, durante un comizio dei partiti di centrosinistra in Piazza Navona, a Roma (22 febbraio 2002), li ha accusati di non aver opposto un'adeguata opposizione alle proposte del governo berlusconiano: “anche questa sera è stata inutile […]. Il problema per il centrosinistra è che, per vincere, ci vorranno due, tre o quattro generazioni. […] con questo tipo di leader non vinceremo mai” – una sorta di anatema che grava ancora oggi sulla politica italiana.
Come accennato in precedenza, Giovanni e la troupe cominciano a volteggiare e a metà della sequenza si alternano le immagini dei ragazzi del cinema, ora genitori di due bambini, seduti sull'erba e vestiti con abiti da ippopotamo, che rimanda a l'incontro tra Michele (Moretti) e Cristina (Cristina Manni) su un prato a Ecce grancassa, quando lei, quando le viene chiesto cosa vive, dice la famosa frase: “Vado a fare una passeggiata, vedo le persone, ci vado, le conosco, faccio delle cose”. È in questo clima più mite che Giovanni si appresta a girare le ultime riprese del suo film, dopo che, grazie all'impegno di Paola, i produttori coreani si sono interessati perché convinti che, come ricorda Scelta, si tratta di “un film che descrive 'la morte , la fine di tutto', un'opera oscura, oscura, in cui, in qualche modo, la violenza, seppure non esplicita, avanza sotterranea fino a condurre la storia a una conclusione del tutto senza speranza”.
Ennio, diviso tra i suoi ideali e la linea ufficiale del partito nei confronti dell'Ungheria, si impiccherà e per Silvio questo è il grande momento del suo ruolo. Prima però c'è la prova e Giovanni prende il posto dell'attore. Con il cappio al collo, come se rievocasse simbolicamente il proprio suicidio, ricorda ciò che disse Italo Calvino in occasione del suicidio di un altro scrittore: “Cesare Pavese si è ucciso perché imparassimo a vivere”, suggerendo di guardare a questo estremo gesto da un’altra prospettiva: “La morte di Pavese, in realtà, è stata una dichiarazione di vita, una fame di vita insoddisfatta, non compensata”, secondo Figini.
E come imparare a vivere? Abbandonate la squallida soluzione sceneggiata e optate per un altro finale, perché l’arte – in questo caso il cinema – non ha bisogno di riprodurre la realtà, ma può reinventarla, trasformandosi in atto politico. E l'impegno politico di Moretti, nelle parole di Pacilio, “passa attraverso una riflessione al centro della quale è posta l'intimità della persona, forse perché è dalla fragilità e dai cambiamenti di umore di ciascuna personalità che emergono le sfumature, quelle che mancano agli slogan o alla false certezze della politica praticata oggi”.
Una volta annunciata la decisione, tutti nel team vogliono dire la loro opinione e, nel corso del vivace incontro, si alza una voce fuori campo che suggerisce “E se…”, non accettando la voce attuale: “La storia non è fatto con il 'se'. Chi l'ha detto? Io, invece, voglio farlo subito con i 'se'”. Perché, suggerisce Scelta, l’obiettivo di un racconto controfattuale è quello di essere “un’occasione per ripensare il futuro, non per rassegnarsi alla sconfitta o alla fine di tutto. E questa scelta, profondamente poetica e intrinsecamente politica, fa Il sol dell'avvenire un grande, grande film. Salvatore Cannavò segue lo stesso ragionamento: «Ridare la ragione agli insorti di Budapest, correggendo gli errori di Togliatti, la cui eredità ha condizionato negativamente la sinistra anche dopo lo scioglimento del PCI, non è solo un gioco di finzione, ma è un Metodo per recuperare semi e lanciarli per costruire libertà ed emancipazione, idee di partecipazione collettiva, un po' di grano gettato per recuperare l'immaginazione. È anche un metodo per scoprire le potenzialità espressive di un film che, grazie a che cazzo l’inaspettato può essere emozionante”.,
E così tutti gli aderenti alla manifestazione, guidati da Ennio, si dirigono alla direzione centrale del Pci, in via delle Botteghe Oscure, nel cuore di Roma. Nascosti dietro una finestra, Togliatti e i suoi consiglieri osservano il movimento e ascoltano la forte richiesta rivolta al partito di cambiare posizione. Questo è ciò che accade e, subito dopo, L'Unità Appare un nuovo titolo: "Unione Sovietica, arrivederci!" È una sorta di tuffo dalla realtà alla finzione e dal presente al passato, perché anche Giovanni, Paola e gli altri membri della produzione sono testimoni di quanto accaduto, che mescola la temporalità tra il film stesso e il film nel film. La storia non si fa con i “se”, ma l’arte non serve a cambiare la storia, ma a incoraggiare le persone a riflettere su di essa. Nel programma televisivo “Metropolis Extra”, Corrado Augias, a proposito di quest'opera, che considera “bellissima”, ha affermato: “Moretti ha trovato l'unica via per poter affrontare il grande fallimento del partito comunista, colpevole di non aver incassato, nel 1956, l’opportunità per l’Ungheria di staccarsi dall’Unione Sovietica e diventare un grande partito socialdemocratico europeo”.
Il rimescolamento continua nella sequenza finale del film, con l'intera “famiglia” Morettiana che sfila lungo Via dei Fori Imperiali, con il Colosseo sullo sfondo. Inaugurata da Benito Mussolini il 28 febbraio 1932, in commemorazione del decennale della Marcia su Roma, l'allora Via dell'Impero Cambiò nome nel 1945, dopo la fine della Seconda Guerra Mondiale, e, dal 1950 in poi, divenne palcoscenico delle sfilate del 2 giugno, Festa della Repubblica Italiana.
Niente di più simbolico, quindi, che sfilare, in un luogo tanto caro all'ideologia fascista che ancora una volta aleggiava sul Paese, le bandiere rosse del PCI, l'effigie di Leon Trotsky che svetta sui componenti del film di Giovanni, quello di Moretti e altri film precedenti del cineasta, al suono di una banda musicale. Lo spettatore sa di essere nel presente, perché tutti gli attori sono lì, non come personaggi, ma come persone,, ad eccezione dell'uno o dell'altro: in cima a un elefante ci sono i due attivisti comunisti Silvio e Barbora, o addirittura Ennio e Vera, che, liberi dal regista, possono finalmente dare sfogo alla reciprocità emotiva? Gli attori caratterizzati come Palmiro Togliatti e Silvio Berlusconi (Elio De Capitani, Il Caimano) sono, tuttavia, i loro personaggi o loro stessi? Come afferma Victor Russo, nella cinematografia di Moretti c'è “una linea difficile per delimitare fin dove arriva la realtà e in quale momento inizia la finzione, come un modo non solo per rafforzare una visione più rigida nel suo modo di pensare il mondo e il cinema , ma soprattutto aprendo il ventaglio delle possibilità interpretative”.
Infatti, in questo nuovo rimescolamento dei vari strati del film, si ritrova la stessa sensazione di uscire dalla dimensione finzionale ed entrare nella realtà, provata ascoltando il coro sul set cantare Solo sulla parola per dormire, brano che evidenziava l'urgenza di trasformare le proprie idee in azione per sfuggire allo stato di apatia suggerito dalle strofe iniziali – “Avere l'impressione di restare sempre al punto di partenza / e chiudere la porta per lasciare il mondo fuori dalla stanza” – che Giovanni aveva urlato in macchina prima di arrivare in studio. Allora, come uscire dall'eterno punto di partenza? Come non lasciare la realtà fuori? Riavvolgere il nastro, come si diceva alla fine del secolo scorso. Riavvolgilo al 1956, come fa il film nel film; riavvolgerlo al 1886, come sembra sottolineare la marching band – che rimanda alla musica dal ritmo forte del Inno ho dato laboratori –, seguendo il corteo della “famiglia” morettiana, che, a sua volta, evocherebbe, dal punto di vista figurativo, Il quarto stato (1899-1901), di Giuseppe Pellizza da Volpedo, secondo alcuni critici, tra cui Giuseppe Rinaldi., In altre parole, ricominciare, con gli stessi ideali in difesa degli sfruttati e degli oppressi che venivano lasciati indietro mentre la sinistra si chiudeva nei suoi dogmi, nelle sue ortodossie.
Nella sequenza finale del film, Moretti si riconcilia con tutte le sue creature, invitandole a sfilare con lui, così come Guido Anselmi, alter ego del regista. 81/2, aveva fatto nella fase finale, quando era presente l'intero “circo” Felliniano. Nell'ultima inquadratura della produzione del 2023, con lo sguardo sorridente e il saluto alla telecamera, Moretti però va oltre, perché l'invito finisce per estendersi agli spettatori che condividono le sue idee. Il corteo diventa un invito a scendere in piazza, lanciato, più che dal cineasta, dal cittadino Nanni Moretti, lo stesso che, nel 2002, aveva abbracciato la causa del girotondini. Pertanto, come dice Figini, Il sol dell'avvenire “non è un film sul passato […], ma sul nostro presente incerto e senza direzione”. Non si trattava, quindi, di falsificare gli eventi storici o di raccontarli, ma di riprendere in mano la storia, lasciando da parte gli errori e le idiosincrasie del passato. È un atto di resistenza. E, riattivando lo spirito originario del comunismo, è una proposta per un nuovo inizio. Lo dica l'enfasi data alla figura di Trotsky, che deve aver suscitato nei seguaci del comunismo ortodosso l'avversione verso Togliatti; la “cancellazione” di Stalin, alla quale Giovanni è palesemente ostile; la cartolina a sfondo rosso, che chiude il film, le cui parole hanno un tono favolistico (“E vissero felici e contenti”) carico di ironia: “Da quel giorno il Partito Comunista Italiano si liberò dall’egemonia sovietica, attuando in L’Italia è l’utopia comunista di Karl Marx e Friedrich Engels, che ancora oggi ci rende così felici”.
Secondo Escorel, questa “celebrazione fittizia seguita da un sottotitolo fantasioso”, che chiude l'opera, è legittima: “In fondo è solo un film di finzione, e Moretti non fa altro che esercitare il suo diritto alla libertà di inventare” . Il suo non è un giudizio isolato, ma, così come ci sono gli estimatori, ci sono anche i detrattori – sia a destra che a sinistra – di quest'ultimo lavoro del regista italiano. Per Mario Sergio Conti, “Il meglio deve ancora venire è un film di e per anziani”, e il corteo finale non è altro che “una bella fantasia. E acritico. Ed evasivo. João Pereira Coutinho, che legge alla lettera i momenti ucronici messi in scena sullo schermo, considera il cineasta il più grande malinconico di sinistra che conosce: “La storia alternativa di Nanni Moretti può alleviare la tua malinconia di sinistra. Ma quando ho visto la risoluzione del film, non ho potuto fare a meno di pensare che Moretti, ironicamente, non fa altro che replicare la vecchia tecnica stalinista di riscrivere il passato secondo la comodità del presente." Insomma: mettono i due autori Il sol dell'avvenire all'insegna di un'acronica nostalgia di sinistra, che non si ritrova tra le pieghe di questo e degli altri successi del regista, sempre pronto a criticare e a sostenere apertamente le sue opinioni. In altre parole, come il suo alter ego Giovanni, se la prende con tutto ciò che non gli piace, molestando gli altri.
Proponendo una versione della storia che non è quella corrispondente ai fatti reali, Moretti ricorre all'utopia, e ben tipizzata, contrariamente a quanto afferma Guilherme Colombara Rossatto, per il quale “l'utopia non è caratterizzata” nelle ultime parole del film (che, nel suo testo, non corrispondono esattamente a quanto letto sullo schermo), aggiungendo: “Sta a ciascuno di noi immaginare il miglior futuro possibile, nel rispetto dei nostri valori e delle nostre aspettative” , senza tener conto che i cambiamenti sociali sono eventi collettivi .
Quando Maurizio G. De Bonis afferma: “L'aspetto politico legato al comunismo italiano, e l'applicazione del comunismo in generale, evoca una concezione nostalgica non convenzionale. Moretti, infatti, non sembra avere nostalgia dei tempi andati, cioè di qualcosa che è già passato. La sua è un'aspirazione a qualcosa che non è mai accaduto e che rappresenta un vuoto nella mente di chi, grazie al marxismo, aveva sognato un mondo migliore. […] si tratta di una visione allo stesso tempo estetica ed etica, che si manifesta attraverso un principio poetico” – parla di utopia, “un tempo di non ancora",, quindi, di qualcosa da portare avanti,, qualcosa che, secondo la proposta di Moretti ai suoi spettatori, è ancora realizzabile,, purché, liberi dai vincoli del passato, si possano seguire nuove strade.
*Mariarosaria Fabris è professore in pensione presso il Dipartimento di Lettere Moderne della FFLCH-USP. Autore, tra gli altri testi, di “Cinema Italiano Contemporaneo”, che integra il volume Cinema del mondo contemporaneo (Papirus).
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note:
[1] Il testo, scritto da Felice Cascione, è stato cantato sulle note di Katyusha, canzone popolare sovietica di Matvey Blanter e Mikhail Isakovsky. Cantata per la prima volta nel Natale del 1943, la canzone partigiano diffusione nei primi giorni dell’anno successivo.
[2] Secondo De Bernardi, la “metafora esprimeva tutte le attese di cambiamento che la lotta per l’emancipazione sociale portava con sé”, così “il sole nascente divenne l’elemento chiave, insieme alla falce e al martello, di molti simboli di partiti socialisti e comunisti”. “Il 'Sole del futuro', infatti, portava dentro di sé una speranza e un'utopia: la speranza era che un 'nuovo mondo' di uguaglianza, giustizia e libertà potesse realizzarsi attraverso il confronto incessante con il nemico di classe, la borghesia. capitalista; l'utopia, quasi religiosa, era che il 'sole' (il nuovo mondo) fosse situato in un 'futuro' indistinto”, prestandosi a “molteplici interpretazioni, visioni del futuro e concezioni teoriche che avrebbero attraversato la storia del movimento operaio durante tutto il XX secolo e sarebbero forieri di profonde lacerazioni e rotture sanguinose”.
[3] Riguardo alla traduzione del titolo Among Us, scrive Inácio Araujo: “The Sun of Tomorrow, dal nome originale del film, è una proposta di resistenza, che siamo d'accordo o meno. La sua versione brasiliana, 'Il meglio deve ancora venire', sembra un errore: l'idea di Moretti è che stiamo vivendo una profonda crisi politica, estetica e morale, e che il meglio probabilmente è alle spalle”. La precisazione è valida, ma la conclusione no, perché, se il titolo originale rimanda all'atto di resistere, è perché, in qualche modo, si attendono ancora cambiamenti futuri.
[4] Sebbene si riferisca specificatamente a Michele Apicella, protagonista di cinque opere di Moretti della prima ora, capace di conciliare “un'intima consapevolezza del proprio tempo” con “un'altrettanto intima appartenenza al passato”, il commento di Pietro Masciullo potrebbe essere ha applicato praticamente tutti i film del regista. Secondo l'autore, “sono riusciti a dare vita (alla Truffaut) a un personaggio trasversale, che trascende le storie e lo schermo, che soffre e sorride, che canta e ama, che prova passioni e subisce sconfitte, ma che ha sempre il coraggio di coraggio di affrontare il presente con mente aperta.” Apparve Apicella Dormo come un autarchico (Sono un autosufficiente, 1976) e fu anche protagonista di Qui ronzio, sogno d'oro, Bianca e palombella rosa, ogni volta con un profilo e un'occupazione diversi, mentre François Truffaut ha seguito la vita immaginaria di Antoine Doinel (interpretato da Jean-Pierre Leáud) dall'infanzia all'età adulta.
[5] Continuando la sua filippica, l'intervistato inizia a cantare la seconda strofa di E vengo a circondarti (1988), mutandone il significato, perché la ricerca di Dio nella canzone di Franco Battiato si trasforma in ricerca di una dottrina ideologica: “Questo sentimento popolare / nasce da meccanismi divini / un rapimento mistico e sensuale / mi lega a te / Dovrebbe cambiare l’oggetto dei miei desideri / non accontentarmi delle piccole gioie quotidiane / comportarmi come un eremita / che rinuncia a se stesso”. Le composizioni di Battiato, uno dei cantanti preferiti di Moretti, avevano già fatto da sottofondo musicale a sequenze di Bianca (Scala di Grado, 1982) e La tabella è finita (mi sono formato a Tozeur, 1985); Voglio vederti danzare, 1982) farà parte della colonna sonorae Il sol dell'avvenire, come si vedrà in seguito.
[6] Secondo Alice Figini, “la guerra d'Ungheria, raccontata sugli schermi televisivi in bianco e nero, riflette in realtà la nostra contemporaneità, la guerra che si svolge oggi nel cuore dell'Europa”. Eduardo Escorel si riferisce anche all'Ucraina, e aggiunge anche la Striscia di Gaza, evidenziando come Il sol dell'avvenire “acquista una rilevanza inaspettata”. A sua volta, Leonardo Sanchez afferma che “il film, a modo suo, ha toccato anche il tema dell’aggressione russa contro i suoi vicini”, prima di dare la parola allo stesso cineasta: “Abbiamo scritto il film prima dell’invasione dell’Ucraina, ma allo stesso tempo, guardando il materiale storico che abbiamo utilizzato, vedendo i carri armati sovietici entrare a Budapest, sono rimasto molto colpito nel rendermi conto che questa storia è molto contemporanea”. Nonostante abbia trascritto la dichiarazione di Moretti, lo scrittore ha scambiato l'Ungheria di Imre Nagy con la Bulgaria di Todor Zhivkov, poche righe sopra.
[7] Guilherme Preger, riferendosi a queste prime immagini, scrive: “L’ultimo film del regista italiano Nanni Moretti si apre con una scena insolita: degli uomini scendono dalle impalcature per scrivere le parole con l’inchiostro su un grande muro che sembra una prigione. che poi risulta essere il titolo del film: Il meglio deve ancora venire. Più tardi sapremo che questo passaggio in realtà si chiama scenaChe cazzo', dai direttori del canale streaming Netflix. Ogni film sponsorizzato da questo canale di video on demand deve avere una scena "che cos'è?". nei suoi istanti iniziali per catturare l'attenzione degli spettatori (“i primi dieci minuti sono cruciali”). Nanni Moretti ha sfidato i produttori a mettere la scena nei primi due minuti, cosa che secondo loro era troppo presto”. Non è chiaro cosa l'autore consideri insolito in questa apertura del film e perché la colleghi all'incontro con i rappresentanti di Netflix, visto che la svolta avverrà nelle sequenze finali.
[8] A causa del costante ricorso all’autoreferenzialità, le realizzazioni morettiane «hanno quasi sempre molti punti in comune. Tuttavia, ognuno di essi è unico nelle sue peculiarità”, secondo Juliana Figueira. Questo raffredda la tentazione di vedere Il sole dell'avvenire come una sintesi della cinematografia del regista, che, in un estratto da un'intervista riprodotta da Lo Stato di San Paolo, ha avvertito di questa possibilità: “Questo è un film molto personale per me e alcuni vi vedranno una sorta di 'riassunto' dei miei temi e dei miei stili. Non sono più del tutto consapevole di cosa siano, ma sono consapevole che questo è il modo in cui il film verrà analizzato.
[9] Come sottolinea lo stesso Scelta, in Mia Madre (Mia Madre, 2015), Moretti fece la fila al cinema Capranichetta di Roma per vedere il film di Wenders.
, Il nuotatore era già stato portato sullo schermo nel 1968 da Frank Perry, con lo stesso titolo (in Brasile, L'enigma di una vita), con Burt Lancaster come interprete principale.
[11] Sebbene la maggior parte delle critiche punti a una connessione tra Il sol dell'avvenire e 81/2, il sito portoghese Cultura preferisce associarlo La voce della luna: “Per la crisi d’identità artistico/esistenziale, per la fantasia che comporta e per l’aspetto circense, la tentazione di classificare Il sole del futuro come il 'otto e mezzo di Nanni Moretti' è molto grande. Tuttavia, avendo individuato il fantasma di Fellini, forse il riferimento a questo universo che più si avverte in questa abbondante autoriflessione filmica è La voce della luna (diciannove novanta). Semplicemente per questo: in quest'opera finale, il maestro italiano ha espresso, attraverso la figura contrastante del lunatico Roberto Benigni, tutta la sua tristezza nei confronti di un mondo che aveva perso la sua poesia, arreso alle apparenze, alla stupidità e al piccolo schermo dominato. di Berlusconi…” – il che sembra un po' forzato, perché gli alter ego di Moretti possono essere eccentrici, ma non sono pazzi.
[12] È interessante notare che, in questa produzione, il cineasta ha girato negli studi di Cinecittà, tanto cari a Federico Fellini, fatto raro nella sua carriera, ad eccezione di sogno d'oro e Papa (Papa, 2011), come ricorda Ilaria Ravarino.
[13] Secondo alcuni critici, pur ripudiando la violenza di Tarantino, Moretti si ispirò Bastardi senza gloria (Bastardi senza gloria, 2009) e nel C'era una volta a Hollywood(C'era una volta a…Hollywood, 2019), per la svolta ucronica alla fine del suo film. Ma c’è la questione dell’Ucraina Il sol dell'avvenire è posto su un altro livello.
[14] Secondo De Feo, in Moretti “sembra esserci un desiderio perennemente latente di realizzare un vero musical”, come annunciato in Giornaliero costoso e testato Aprile. In questo vediamo alcune scene di un musical su un pasticcere trotskista che, nella Roma degli anni '1950, è contro il regime di Stalin in Unione Sovietica, per questo vive isolato ed è felice solo quando balla, circondato dai suoi amici .dolci e insieme ai tuoi aiutanti di cucina. Un carro in avanti, che parte dalla coreografia fino ad avvicinarsi a Moretti e alla sua squadra che girano il film e ballano, rompe l'idea dell'illusione e il film si conclude con il cineasta a sinistra e la telecamera che sta riprendendo a destra. Nelle parole di Marco Grifò: “Se è vero che l'immagine finale inquadra i due protagonisti del film, che si sono combattuti per tutto Aprile (Moretti e il cinema), finalmente insieme, ballando, così il musical irreale del pasticcere trotskista […] ha […] conseguenze reali sul “fare” e sul “creare” cinema, sulla produzione di immagini che cerchino di soddisfare il loro autore e che, effettivamente, contiene qualcosa del loro mondo”. Forse da qui deriva anche l'idea del caro musical con tante belle canzoni italiane, in Il sole dell'avvenire, che racconta una storia d'amore durata mezzo secolo, forse tra il regista e il cinema.
[15] Lo stesso cineasta ha fatto riferimento al film come tale nella già citata intervista pubblicata nel Lo Stato di San Paolo: “Sebbene il mondo che lo circonda sia più difficile da accettare, Giovanni non vuole perdere di fronte ad una realtà deludente. E soprattutto non vuole rinunciare al suo sogno di cambiarlo. Se la vita e la storia non lo permettono, il cinema, con la sua forza ed energia contagiosa, trasforma la realtà e rende possibili i sogni”.
[16] Accanto a Nanni Moretti e agli altri componenti del Il sol dell'avvenire sfilando: Fabio Traversa (Vieni a parlare frate?, Dormo come un autarchico, Qui ronzio, palombella rosa); Dario Cantarelli (Dormo come un autarchico, Qui ronzio, Bianca, palombella rosa, Papa); Lina Sastri (Qui ronzio); Gigio Morra (sogno d'oro); Mariella Valentini, Alfonso Santagata e Claudio Morganti (palombella rosa); Renato Carpentieri (Giornaliero costoso); Silvia Nono (Giornaliero costoso e Aprile); Gelsomino Trinca (La strofa del figlio e Il Caimano); Anna Bonaiuto (Il Caimano e Tre piani); Giulia Lazzarini (Mia Madre); Alba Rohrwacher (Tre piani).
[17] L'indicazione è interessante, ma l'autore sbaglia sul nome del dipinto, chiamandolo così Terzo stato, e scrive con una “l” e non due [Pelizza x Pellizza] il primo cognome del pittore.
[18] Lettura alla luce dell'articolo di Edson Luiz André de Sousa. Secondo lo psicanalista, riprendendo, in epoca contemporanea, il discorso sull' Utopia (1516), dell’umanista inglese Thomas Morus (“la funzione dell’immaginazione e l’etica del desiderio”) –, comprendente anche i saggi del filosofo, poeta e chimico francese Gaston Bachelard raccolti in Il diritto di sognare (Il diritto di sognare, scritto tra il 1942 e il 1962) – il filosofo marxista tedesco Ernst Bloch, in Il principio della speranza (il principio della speranza, 1954), “propone di pensare all'utopia come stabilire uno spazio e un tempo del non ancora”, quindi, una “attesa attiva”. Quello "non ancora stabilisce un orizzonte possibile che dipende dai nostri movimenti per costruirlo”.
[19] «Bloch parla di utopico nel senso di andare oltre ciò che ci viene presentato come il corso naturale degli eventi», nota Maria de Fátima Tardin Costa, prima di trascrivere la citazione dell'autore: «L'uomo è qualcuno che ha ancora una lunga vita ben fatto. Nel e attraverso il suo lavoro, viene costantemente rimodellato. È costantemente avanti, scontrandosi con limiti che non sono più limiti; prendendone coscienza, li supera”.
[20] Nella conclusione del suo testo, Costa rileva che la funzione utopica non può essere «considerata come una mera fantasia chimerica, poiché non è mossa da una vuota possibilità di sogno astratto, poiché è associata al 'reale possibile'. ”.
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