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28/10/2024

Arti plastiche · XNUMX€ Cultura · XNUMX€ Educazione

da MARCO BUTI*

«In nessun luogo il fatto di prendere in considerazione il destinatario di un'opera d'arte o di una forma artistica si rivela fruttuoso per la sua conoscenza. Non solo il fatto di stabilire un rapporto con un certo pubblico o con i suoi rappresentanti costituisce una deviazione; il concetto stesso di recettore “ideale” è dannoso per qualsiasi indagine di carattere estetico, poiché deve presupporre esclusivamente l'esistenza e la natura dell'uomo in generale. Allo stesso modo, anche l’arte presuppone la tua attenzione. Perché nessuna poesia si rivolge al lettore, nessun dipinto si rivolge allo spettatore, nessuna sinfonia si rivolge agli ascoltatori. (Walter Benjamin).^,

“È l’ignoto di te stesso, della tua testa, del tuo corpo. La scrittura non è nemmeno una riflessione, è un tipo di attitudine che abbiamo accanto alla nostra personalità, parallelamente ad essa, un'altra persona che appare e avanza, invisibile, dotata di pensiero, di rabbia, e che, a volte, mette in gioco se stessa rischio di morte. Se sapessimo qualcosa di ciò che stiamo per scrivere prima di farlo, prima di scriverlo, non lo scriveremmo mai. Non ne varrebbe la pena. Scrivere è cercare di sapere prima cosa scriveremmo se dovessimo scrivere – lo scopriremo solo dopo –, è la domanda più pericolosa che possiamo porci. Ma è anche il più comune. La scrittura arriva come il vento, è nuda, è fatta d’inchiostro, è scrittura, e passa come nient’altro passa nella vita, nient’altro, fuorché essa, la vita”. (Margherita Duras).^,

Anni 14
Avevo 14 anni
Quando mio padre mi ha chiamato
Mi ha chiesto se volevo
Studia Filosofia
Medicina o Ingegneria
Dovevo essere un medico

Ma la mia aspirazione
Era come avere una chitarra
Per diventare un suonatore di samba
Poi mi ha consigliato
Sambista non ha valore
Nella terra di questo dottore
E il tuo dottore
Mio padre aveva ragione

Vedo che viene venduto un samba
E il suonatore di samba dimenticato
E il suo vero autore
Sono bisognoso
Ma il mio samba imbarazzato
Non lo vendo, signore

(Paolino da Viola)

Inizialmente un avvertimento: mi riferisco all'arte come tentativo di realizzazione in sé, non parlo qui di teoria, di critica o di storia dell'arte. Le posizioni in relazione all’arte sono variabili quanto gli esseri umani. Il mio – strettamente personale – è quello di tentare una realizzazione artistica diretta, con le risorse disponibili e incorporate nel pensiero come linguaggio, evitando di ricorrere al mecenatismo (e alle sue inevitabili contropartite), senza dedicare tempo ad attività noiose, che l’opzione per l’arte cercava di escludere. vita. Non separo progetto e realizzazione e sono l'unica persona coinvolta. Evito di finanziare con risorse pubbliche le mie ricerche dubbie, che potrebbero risultare insignificanti per gli altri. Ma insisto sul diritto di pensare all'arte secondo le mie convinzioni.

È sempre più difficile capire che persistere nel fare ciò che quasi certamente comporta perdite considerevoli, sebbene possa generare altri guadagni – meno logici e meno misurabili. L’arte può essere concepita e praticata in innumerevoli modi: divergenti, conflittuali, paralleli, simultanei. Molto più spesso nell'oscurità, contrariamente alla fama associata all'immagine attuale di un artista. Quando è inevitabile, l’arte è solitamente accompagnata da atteggiamenti difficilmente giustificabili a basso livello.

In questo caso, una delle posizioni artistiche fondamentali è (era? era? sarebbe?) l’obbligo etico di rifiutarsi di incoraggiare un lavoro senza senso, di interferire, deviare, ritardare, affrettare, sminuire, compromettere il significato dell’opera in cui si crede. La libertà e l'insistenza sul fallimento fanno parte della costruzione della conoscenza, ma nessuna padronanza illusoria garantisce il successo nel tentativo successivo. La gioia generata dal lavoro commuove più del risultato.

Probabilmente, l’accettazione dei precetti neoliberisti tende a rendere più flessibile l’atteggiamento degli artisti, dentro e fuori l’università, alla ricerca di finanziamenti, di qualsiasi entità. E dare appena il giusto valore al rifiuto, al fallimento e alla gioia dell’atto artistico comprometterebbe tutte le finzioni metriche basate su indicatori di performance, comprese quelle presumibilmente qualitative.

Solo cercando di realizzare ciò che è veramente desiderato vengono chiamati in causa i processi mentali preziosi per gli artisti in quanto esseri umani, che la realizzazione dell'opera accentua. La critica al lavoro svolto è un diritto di tutti, ma non si estende alla negazione anticipata del tentativo, applicando criteri standardizzati.

In un parere in risposta ad una proposta di finanziamento accademico, è frustrante non solo che il verdetto finale venga “negato”, ma anche “approvato”. Questi sono gli argomenti utilizzati, la mentalità, gli atteggiamenti, la situazione creata, l'arte trattata come “produzione”, tutto ciò che sostiene il sistema di controllo. Senza l'essenziale contatto diretto con il lavoro svolto, ma intendendo giudicare in base solo attraverso progetto, relazione, curriculum.

Nel campo delle scienze esatte non sono nuove le opinioni che non considerano le discipline umanistiche come scienza. Che dire allora dell’arte? Che senso ha affrontare con criteri scientifico/burocratici un sapere che non è nemmeno definibile con precisione, dove la poesia spesso ha confini poco definiti e una totale mancanza di significato?

Citazioni di apertura:

“L'insegnante indica nel suo CV Lattes, la redazione di tre articoli a partire dal 2018, di cui uno molto breve (tre pagine). Sembra che il professore non abbia cercato riviste esterne/esogene ad alto impatto per pubblicare articoli”.

“La sua produzione è concentrata più negli ultimi 10 anni che negli ultimi 5”. «Per quanto riguarda i progetti di ricerca, ce ne sono due aperti nel curriculum Lattes, uno di loro, dal 2013 e l'altro, dal 2015, senza coinvolgimento con le agenzie di finanziamento della ricerca. La relazione dell’ultimo biennio, nonostante il professore dimostri un’ampia produzione artistica, non riporta una sintesi, una numerazione delle pagine e nemmeno una chiara correlazione con il progetto di ricerca che l’ha originata”.

“Praticamente ci sono quasi le stesse informazioni contenute nel CV Lattes (principali attività svolte nell’ultimo biennio) oltre alle immagini delle mostre realizzate, ma senza una chiara riflessione critica sulla produzione di conoscenza nell’ultimo biennio e sui risultati conseguiti.”

“Il piano di ricerca 2020-2022 è difficile da comprendere. Non c'è sintesi, numero di pagine, programma dettagliato e procedure metodologiche. È possibile evidenziare alcuni risultati da raggiungere, ma questi sono mescolati a concetti e teorie. I risultati da raggiungere dovrebbero, quindi, essere espressi più chiaramente alla fine del piano”.

“(…) l'obiettivo è definire la posizione relativa di ciascuna richiesta su una scala di priorità, in base al suo grado di eccellenza nelle voci Progetto, Candidato e Supervisore. Per tale definizione vengono considerati in particolare: il grado di originalità, la definizione degli obiettivi, il fondamento teorico e l'adeguatezza metodologica del progetto; il grado di competenza del supervisore nell'area specifica del progetto, misurato dalla sua recente produttività in quell'area; e il potenziale di ricerca del candidato, misurato dal suo CV.”

“La proposta ha dei meriti, il progetto è molto interessante e ha il potenziale per dare un contributo al territorio. Il candidato non ha una produzione regolare come ricercatore e il supervisore, nonostante un solido percorso artistico, ha poche pubblicazioni recenti.”

“Il candidato ha i prerequisiti per candidarsi, ma presenta un CV che dimostri scarsa produttività, non presentando regolare produzione come ricercatore.”

“Produzione scientifica o tecnologica che non attesta proventi significativi derivanti da attività di ricerca”.

“Proposta sconsigliata. Si tratta di una richiesta di riconsiderazione, con riformulazione del progetto originario. La società di consulenza ritiene che la nuova versione del progetto abbia dei meriti. Essa formula tuttavia importanti riserve riguardo alla produzione irregolare del proponente. Per quanto riguarda il supervisore, va notato che si tratta di un artista con una traiettoria artistica riconosciuta e solida, ma che ha poche pubblicazioni recenti. In un round altamente competitivo, non era possibile dare priorità alla proposta”.

“Il progetto di ricerca presenta carenze in termini di obiettivi, metodologia e bibliografia. Il candidato ha un ottimo curriculum accademico e accademico, presentando un lavoro artistico di eccellente qualità. Il consulente ha ampie capacità per svolgere questo lavoro. Ciò che manca, secondo il revisore, è un collegamento tra la capacità artistica del candidato e i vincoli necessari per la realizzazione di un progetto accademico e scientifico.”

Non importa se nel biennio, negli ultimi cinque magici anni, il tempo richiesto dall’arte si è consumato in crescenti incombenze burocratiche dell’Università, se il lavoro artistico non segue i modelli egemonici ben accolti, se gli obblighi accademici come le lezioni, il servizio agli studenti, l'orientamento, sono stati svolti con la dedizione prevista, sia che le persone nascessero o morissero, il tempo impiegato per la sopravvivenza e per il calcolo di indicatori misurabili. È necessario regolamentare, come se la vita non esistesse, affinché la contabilità basata sugli indicatori di prestazione funzioni.

Al libero giudizio atteso dall'Università si aggiungono due conformismi: una nozione arcaica di contemporaneità e un convenzionalismo accademico/tecnocratico. Non ha senso il protocollo, gli obiettivi da raggiungere o l’evidenza empirica per un’opera d’arte: diventano irrazionali. Accettando criteri basati su “dati oggettivi”, la valutazione dei progetti artistici tende a diventare un'ulteriore forma di esclusione.

I “progetti” possono essere rovinati o superati dai tentativi di realizzazione, come ogni artista attento scopre attraverso l’esperienza – e i suoi rischi. I revisori, quando negano una proposta per un lavoro artistico, con argomenti falsi per la sottomissione convenzionale, garantendo un rigore scientifico fuori luogo, espongono solo la loro concezione di flat art.

(Ma l’arte è solo un obiettivo secondario. Non vi è dubbio l’importanza del sostegno finanziario agli studi, attraverso borse di studio, investimenti nella conoscenza futura, compensando temporaneamente una società diseguale. Ma quanto dovrà durare questa situazione di instabilità? Ci sono borse di studio per tutti livelli di studio e fasi della carriera accademica, stimolanti la competizione, ma con maggiori probabilità di successo del progetto nel rispetto degli standard. È possibile essere borsista perpetua (e professore a tempo indeterminato).

Il borsista, a vari livelli, non ancora docente di ruolo, invece di concentrarsi sulla propria ricerca, sostenendo la conoscenza presente e futura, può essere sempre più utilizzato per “materie di sostegno”, ovvero per l'insegnamento. Fa parte della rete creata per non assumere più docenti, limitando la spesa pubblica con criteri provenienti dall'azienda privata. Gli esami di ammissione diventano rari: chi sceglie la carriera accademica sopravvive di borsa in borsa.

Quando inizia la vita accademica piena, in modo più dedicato e continuativo, con tutte le sue implicazioni sociali e politiche? Nella situazione di imbarazzo creata dalla continuità della borsa di studio, sempre soggetta a pareri da rinnovare, o con contratto a tempo determinato, la capacità di azione politica di questi professori, all'Università, è ridotta al minimo. L’esperienza didattica tende ad essere breve e tronca. Ma le lezioni vengono impartite e le statistiche prosperano.

Si suggerisce una presenza di successo nel mondo artistico come parte dei criteri di valutazione, tenendo conto del successo in un altro ambiente, dove il riconoscimento non segue criteri accademici. L'arte nell'Università Pubblica non è necessariamente la trasposizione delle gerarchie attuali. Considerare oggi la presentazione delle opere solo nel circuito artistico ufficiale come il principale indicatore di qualità è una sorprendente mancanza di contemporaneità. Si possono valutare in questo modo gli atteggiamenti di rifiuto? Dopotutto, ci si aspetta che lo studente/artista/insegnante/ricercatore abbia uno spiccato senso critico. Rifiutando la frequenza delle mostre, i modelli contemporanei, utilizzando anche le possibilità espositive suggerite dalla tecnologia, agendo fuori o ai margini del circuito, privilegiando la didattica, sfidando le metriche. Non è attraverso una facile enumerazione che si valuta l’art. E, per emettere un parere, non è nemmeno necessario vedere gli originali: può bastare un progetto, e poi una relazione contabile.

Il continuo atteggiamento di presentazione di progetti e proposte, sempre basati su obiettivi limitati, come la prossima ricerca, master, dottorato, post-dottorato, circonda i progetti artistici, minacciandone la concezione stessa. Chiaro, modesto, mirato, giustificabile e accettabile. Quale sarà l'influenza mentale, sugli atteggiamenti degli artisti, delle procedure burocratiche necessarie per concedere piccoli vantaggi?

Il mondo artistico valorizza molto la nozione di “arte”, anche se vengono sempre più utilizzate le parole “ricerca”, “indagine” e “investigazione”, che sembrano avere più prestigio e contemporaneità. Nel mondo accademico “arte” è “ricerca artistica”, ed è in quest'ottica che si chiede sostegno. Ma la “ricerca artistica” può essere esposta come “arte” – inequivocabilmente approvata all’interno del cubo bianco.

Tuttavia, per gran parte della “ricerca artistica”, l’esposizione avviene in simposi, forum, congressi e seminari, principalmente attraverso discorsi e proiezioni, per un pubblico accademico chiuso. In eventi del genere non è difficile notare quando la “ricerca artistica” veniva concepita proprio per questo mondo, come oggetto di discussione. Che gli esperti si pronuncino, approvando o negando immediatamente, chiedendo modifiche al progetto, fino alla concessione del modesto contributo. Poi, se possibile e c'è ancora interesse, presentata al grande pubblico come “arte”.

Sebbene anonimi, esterni, esenti, nascosti, i revisori tendono ad essere più prevedibili dello spettatore comune e sconosciuto. C'è una grande possibilità che accettino l'arte solo come produzione, ricerca, pratica separata dalla riflessione, inevitabilmente preceduta dalla teoria, in accordo con le tendenze dominanti dell'arte accademica contemporanea, quando si analizza la richiesta ricevuta. Che, del resto, si tratta di un'opera artistica futura, ancora inesistente o in fase iniziale.

Non esiste un pubblico assoluto. È proprio perché i singoli spettatori sono imprevedibili che gli artisti non dovrebbero prenderli di mira quando concepiscono il loro lavoro – non per disprezzo verso il grande pubblico che non è ben preparato, o perché ci sono pubblici considerati più importanti. Nei grandi eventi, che richiedono numeri per le sponsorizzazioni, cercando di attirare il maggior numero possibile di visitatori non acquirenti – a differenza delle gallerie – gran parte del lavoro esposto può risultare incomprensibile a un pubblico più vasto, generalmente poco familiare con l’arte che raramente circola. ma deludente per chi ha costruito un sapere più generoso e disinteressato.

I mezzi straordinari non sono essenziali per fare arte. Ma il tempo dedicato è fondamentale – cosa che le borse di studio dovrebbero rendere possibile. Mentre la ricerca scientifica di solito richiede ingenti finanziamenti, ciò che può rendere le arti visive sorprendentemente costose è l’adesione illimitata a modelli consolidati, il desiderio di rendere reali gli spettacoli immaginati nel mondo fisico, sfruttando fama e successo, e la vicinanza ai grandi interessi. Il finanziamento rischia di diventare la preoccupazione centrale.

Al di fuori delle università, la portata del mecenatismo e dei finanziamenti è enorme: potrebbero essere patti con Mephisto. Verificare l'accettazione da parte di grandi artisti di commesse spettacolari, rispettando i Marketing delle dittature e delle imprese, non sorprende.

Possono esserci molte concezioni di arte e di artista, ma poche opportunità per creare sogni e incubi.

*Marco Buti È professore presso il Dipartimento di Arti Plastiche della Scuola di Comunicazione e Arti dell'USP.

note:

[1] Walter Benjamin. Le dimissioni dall'incarico del traduttore. In: Il compito del traduttore, di Walter Benjamin: quattro traduzioni in portoghese. Tradotto da Susana Kampff Lages. Belo Horizonte, UFMG, p.64.

[2] Margherita Duras. Scrivi. Traduzione: Luciene Guimarães de Oliveira. Belo Horizonte, Reliquiario, 2021.

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