da CELSO FAVARETTO*
Commento al libro di Paulo Sérgio Duarte.
l'ambizione di Anni '60 – Trasformazioni dell'arte in Brasile è unire riflessione e didattica, critica e storia. Concepita come opera accessibile ai giovani desiderosi di conoscere le trasformazioni artistiche degli anni Sessanta, si propone come “introduzione alla storia dell'arte” e “uno studio delle principali questioni e linguaggi che hanno dominato quel momento”. Inoltre, intende offrire agli specialisti l'opportunità di rinfrescarsi la memoria e valutare le prospettive sull'arte del periodo.
Operando una selezione di artisti e opere, proposte e attività, Paulo Sérgio articola un campo storico-critico, preciso nei riferimenti e nell'orientamento teorico. Sebbene l'intenzione non sia quella di produrre un capitolo sulla storia dell'arte in Brasile, il libro è più di un'introduzione al periodo, in quanto ha all'orizzonte una comprensione delle principali esperienze di quel tempo come fondatori dell'arte brasiliana contemporanea.
La composizione di un testo riflessivo, informazioni storiche, biografia di artisti e riproduzione di opere si traduce in un'interpretazione della produzione del periodo, con un significato inequivocabile: l'affermazione della specificità dell'arte brasiliana degli anni '1960 nel confronto con quella americana e esperienze europee, attraverso la critica delle facili approssimazioni che si fanno comunemente tra la Nuova Figurazione brasiliana e la Pop Art o Nuovo realismo. La difesa dell'autonomia della produzione di Antonio Dias, Nelson Leirner, Wesley Duke Lee, Roberto Magalhães, Rubens Gerchman e Vergara, ad esempio, è ancorata ai modi di articolare le innovazioni formali e alla figurazione della situazione storico-culturale.
Tracciando le direzioni di ricerca predominanti degli artisti focalizzati e analizzando le opere, Duarte sottolinea l'originalità formale delle proposte e la sorprendente agentività dell'immaginario. Tra il punto di partenza delle attività d'avanguardia, con la mostra “Opinião 65”, e la spiegazione dell'insieme delle varie esperienze, nella mostra “Nova Objetividade Brasileira”, del 1967, si delinea la “differenza brasiliana”.
Le opere di artisti nazionali sono state presentate come una critica delle impasse dell'astrazione costruttiva e dell'informale, così come le idee e le realizzazioni delle tendenze internazionali, Pop, Op, Nouveau Réalisme, Strutture primarie, che erano i riferimenti del momento. L'idea di “partecipazione”, che emergeva dalle esperienze neoconcrete, si affermava come principio della posizione estetica che si andava definendo tra il 65 e il 67. Non distingueva più le modalità di attuazione dei programmi estetici e delle istanze etico-politiche. Il significato sociale dell'arte deve necessariamente passare attraverso il rinnovamento delle forme, dei processi e della concezione stessa dell'arte.
Mirando all'intreccio di anticonformismo estetico e sociale, trasformazioni strutturali e comportamenti creativi, partecipazione dello spettatore e rapporto artista-pubblico, nel testo “Esquema Geral da Nova Objetividade”, Hélio Oiticica formula i seguenti obiettivi delle attività che compongono quella che chiamava “avanguardia brasiliana”: volontà costruttiva generale; tendenza verso l'oggetto superando la cornice; partecipazione degli spettatori; assumere una posizione etico-politica; enfasi sulle proposte collettive; nuove formulazioni del concetto di antiart.
Le aspirazioni, i problemi, le ambiguità e la destinazione delle esperienze, codificate in questi principi guida delle trasformazioni dell'idea e del significato dell'arte, indicavano l'esistenza, in quel momento, di una produzione che stava effettivamente aprendo il campo del lavoro contemporaneo in Brasile. L'arte rivoluzionaria era anche arte fondamentale. Hélio Oiticica aveva un'idea chiara di questa apertura; non è diversa la posizione che definisce con la proposizione dello sperimentale, inteso come “elemento costruttivo”: “I fili sciolti dello sperimentale sono energie che scaturiscono a un numero aperto di possibilità”.
In questa direzione, l'autore insiste sulla rilevanza del “senso della costruzione” propugnato da Oiticica come segno distintivo e più caratteristico dell'arte brasiliana fino ad oggi. Componendo apertura strutturale e azione nell'ambiente, critica d'arte e significato culturale, il peculiare costruttivismo scatenato negli anni '60 dall'avanguardia brasiliana riformulerebbe le esperienze che, a partire dal neoconcretismo, avevano provocato cambiamenti nella concezione dell'oggetto e del significato di arte, nonché le modalità di realizzazione di progetti, opere ed eventi. Questo orientamento costruttivo sarebbe rimasto anche dopo che, nei primi anni '70, il concettualismo e il minimalismo avevano diluito le specifiche esperienze brasiliane per consonanza con il campo sperimentale internazionale.
Nell'ultima parte del testo, Paulo Sérgio Duarte indica quelle “indagini ed esperienze” che, “dopo il costruttivismo”, dopo la chiusura delle attività dell'avanguardia brasiliana, avrebbero fondato e consolidato un'arte brasiliana contemporanea, coerente con le tendenze generali della contemporaneità. Questi artisti – Oiticica, Lygia Clark, Mira Schendel e Sérgio Camargo –, sviluppando un “lavoro di laboratorio”, avrebbero creato le condizioni perché altri artisti affrontassero la sfida emersa al crocevia della critica negli anni Sessanta, delle proposte concettuali e minimaliste concetti e le nuove problematiche poste dai media. Gli artisti che emergono da queste esperienze fondanti, avendo recepito l'eredità costruttivista, sostituiranno alla “violenza simbolica” la costituzione dei simbolismi propri dell'arte, situandoli nel “confronto tra opere d'arte e istituzioni”.
*Celso Favaretto è critico d'arte, professore in pensione presso la Facoltà di Scienze della Formazione dell'USP e autore, tra gli altri libri, di L'invenzione di Helio Oiticica (Edusp).
Riferimento
Paolo Sergio Duarte. Anni '60 – Trasformazioni dell'arte in Brasile. Campos Gerais, 324 pagine.
