da RODRIGO DUARTE*
Commento al libro del compositore Gilberto Mendes
Non tutti i grandi creatori hanno la capacità di trasformare le proprie esperienze in riflessioni che, in qualche modo, contribuiscono a una migliore comprensione delle sue professione. Anche per questo è emozionante vedere che Gilberto Mendes – autore di brani antologici come Beba Coca Cola (su una poesia di Décio Pignatari) e Motetos à lungometraggio Lobo de Mesquita (su una poesia di Affonso Ávila) – sappia quanto pochi riflessivamente recuperare la sua esperienza nella creazione musicale, che coincide con un periodo significativo della musica contemporanea nella seconda metà del XX secolo.
Tale capacità si poteva già osservare nel suo libro precedente, Un'odissea musicale: dai mari del sud all'eleganza pop/art déco (Edusp), un libro di memorie scritto per ottenere un dottorato all'USP e che, quindi, camuffava il più possibile l'aspetto esperienziale dell'esperienza di Mendes come compositore e intellettuale.
In questo libro il momento dell'esperienza, già desunto dal titolo, è del tutto centrale, poiché per lui “vivere la sua musica” non significa solo essersi dedicato alla composizione, ma anche aver avuto, nel corso della sua carriera, l'opportunità a visitare luoghi in varie parti del mondo in qualche modo collegati alle sue ispirazioni come creatore di musica.
Tra i molti argomenti, Mendes discute la preponderanza della cosiddetta "musica popolare" sulla musica classica. Ha un accesso privilegiato a questo dibattito, poiché, a differenza di molti creatori eruditi, che hanno un atteggiamento sprezzante nei confronti di altri tipi di manifestazioni culturali, Mendes non nasconde che le sue prime passioni musicali sono state le canzoni dei film di Hollywood, come Blue Hawaii, Troppo romantico, ti riconoscerei ovunque, guancia a guancia, è un bel domani, insistendo, d'altra parte, sul fatto che la qualità musicale di questo repertorio deriva dal fatto che i suoi compositori erano emigrati direttamente dall'Europa centrale, formatisi in una scuola di cromatismo wagneriano, o erano suoi discepoli locali.
Mendes non nega che questa qualità, nel corso dei decenni, sia enormemente diminuita, e rivela la sua ammirazione per Tom Jobim, proprio perché ritiene che “la raffinatezza erudita della canzone nordamericana emigri, alla fine degli anni '50, verso il Bossa Nova brasiliana”. Questa posizione ha a che fare con la valutazione di Mendes, secondo la quale il jazz – e tutta la produzione che gravita nella sua orbita – può essere considerato come una delle “tre nuove musiche del XX secolo”. Alle altre due scuole, ritenute da Theodor Adorno antagoniste, si aggiunge così un filone di musica normalmente considerata “popolare”: quella guidata da Stravinskij e quella iniziata da Schönberg (e continuata dai partecipanti ai corsi estivi di Darmstadt nel secondo dopoguerra).
Lo stesso punto di vista di Adorno, che si riferisce alla critica del jazz e dell'industria culturale, Mendes considera “chiacchiere, ma molto taglienti”, e non è difficile vedere, tuttavia, come questa posizione, in qualche modo, guidi riflessione del compositore. In altri due passaggi del libro cita il filosofo tedesco: in uno di essi si chiede perché Schönberg sarebbe stato più all'avanguardia di Stravinsky. In un altro, mentre rileva quella che considera la mancanza di comprensione da parte di Adorno dell'importanza musicale del jazz, non manca di riconoscere la grande attualità di questo filosofo.
Infatti, implicitamente, accanto alla sua apertura alla cultura “pop” in generale, Mendes assume posizioni compatibili con la critica culturale di Adorno, come, ad esempio, quando ricorda un passo del Guglielmo Maestro, di Goethe, in cui si affronta l'idea di un'educazione estetica. Mendes, con lo sguardo rivolto alla decadenza attuale, protesta: “E cosa diremo delle nostre giornate, con le domeniche di tv aperta, le telenovele, le Grande Fratello? ".
Per posizioni come questa Mendes non può essere considerato uno che non vede differenze significative tra le opere d'arte stesse ei beni culturali, insistendo sul fatto che “paradossalmente, la musica classica non ha nulla a che fare con la musica popolare. Sono mondi lontani dall'essere la stessa cosa, come intendono gli intellettuali populisti dei media”.
Questa distinzione, infatti, non rientra in un discorso meramente accademico, poiché, data la preponderanza pressoché assoluta della musica di massa, ciò che è in gioco è la sopravvivenza stessa della musica come arte stessa, da lui lucidamente riconosciuta. : “ La musica erudita, per sopravvivere, o si allinea al gusto pop e globalizzato dei nuovi tempi, oppure dovrà accontentarsi di continuare ad essere sempre più isolata nei suoi ghetti, con i compositori che speculano sul materiale sonoro per il proprio godimento. . Tuttavia, sono proprio e solo questi compositori che possono e vogliono portare avanti il linguaggio musicale, scoprire nuove strade”.
Per comprendere come questi due punti di vista apparentemente discordanti siano conciliabili – l'apertura alla cultura “pop” accanto a un'acuta consapevolezza della specificità della creazione artistica erudita –, è interessante prestare attenzione all'affermazione con cui Mendes giustifica il citato apertura tenendo conto della ricerca di “nuove strade” e della coltivazione della libertà di espressione: “Da parte mia mi sento un vecchio nuova musica, come un vecchio marinaio. È la mia origine, che stimo molto, questo background musicale tedesco, serialista, legato all'idea di struttura, forma, musica difficile da suonare e ascoltare. Ma quando penso, tante volte, di tornare sulla linea della complessità, mi sembra di tornare agli anni 50, 60. Facevo già tutto lì, ora voglio fare altre cose”.
* Rodrigo Duarte È professore presso il Dipartimento di Filosofia dell'UFMG. Autore, tra gli altri libri, di Varia estetique: Saggi su arte e società (Reliquiario)
Riferimento
Gilbert Mendes. Vivi la tua musica. San Paolo, EDUSP, 374 pagine.
